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[Cinéma] Prometheus

Tue, 10 Jan 2012 09:02:22 +0000

De la même manière que James Cameron m'a embarqué dès que j'ai entendu parler d'Avatar, Ridley Scott m'a eu lorsque j'ai découvert Prometheus.
Voir la pièce-jointe : Prometheus.jpg
Que sait-on sur ce projet ? Pas grand chose à vrai dire : depuis les quelques mois que je suis le projet, je n'ai rien eu de véritablement croustillant à me mettre sous la dent. Mais depuis quelques jours, les informations que je lis commencent à lever le voile.
Ce qui est sur, c'est-il qu'il s'agit d'un retour de Scott à la SF avant le reboot/remake/prequel de Blade Runner. Est-ce un nouvel opus de la saga Alien ? Démentie avec véhémence par la Fox, cette rumeur n'est ni vraie ni fausse. Le film s'inscrit dans l'univers d'Alien, devrait faire appel à des éléments connus (Wayland-Yutani, Space Jockeys et les xénomorphes) mais il ne s'agit ni d'un prequel (Prometheus a longtemps été le nom du projet de prequel d'Alien par Scott), ni d'une suite : c'est un nouveau film indépendant dans cet univers, un spin-off.
Au côté de Scott à la production et à la réalisation, on retrouve Damon Lindelof (Lost) au scénario. C'est d'ailleurs lui qui a laissé filtrer quelques informations lors d'une interview récente.
Le pitch fourni par la Fox, tout frais et tout creux est le suivant :

Citation

Ridley Scott, director of “Alien” and “Blade Runner,” returns to the genre he helped define. With PROMETHEUS, he creates a groundbreaking mythology, in which a team of explorers discover a clue to the origins of mankind on Earth, leading them on a thrilling journey to the darkest corners of the universe. There, they must fight a terrifying battle to save the future of the human race.

Du côté casting, on retrouvera Noomi Rapace (que Scott voulait pour son prequel d'Alien), Michael Fassbender, Charlize Theron, Idris Elba et Guy Pearce.
Quelques photos de piètre qualité, sans doute capturée lors de la projection d'un premier teaser sont disponibles ici :
http://www.movieweb....nd-noomi-rapace
D'autres photos, notamment du studio et des décors, sont disponibles sur le même site.
Bien que je ne trouve aucune information officielle, il semblerait que H.R. Giger fasse aussi partie de l'aventure.

Sortie prévue le 8 juin 2012 aux USA, plus d'infos à venir sur http://www.facebook....etheus?sk=info

Psychonauts

Tue, 10 Jan 2012 08:58:55 +0000

Voilà, je me demandais un peu où j'allais mettre ce sujet. Après tout, le jeu est de 2005, donc la section "Micro & Ludostalgie" m'a semblé la plus appropriée. Certes, on peut toujours l'acheter sur Steam, GOG et même peut-être ailleurs, mais ça n'en reste pas moins un "vieux" jeu.

Pourquoi me décider à vous en parler aujourd'hui, de but en blanc ? Simple : je viens de le terminer ! Du coup, je me sens assez qualifié pour en parler et surtout la qualité du jeu me pousse à tenter de le faire connaître auprès de ceux qui n'y ont jamais joué.

Hé oui, cette dernière phrase vous aura tout de suite donné le ton : Psychonauts est un bon jeu. Non, rectification : Psychonauts est un EXCELLENT jeu, certainement un des meilleurs auxquels j'ai pu jouer ces dernières années, toutes plateformes confondues. Une affirmation bien ambitieuse ? J'en suis conscient. Mais Psychonauts a de quoi se défendre.

L'histoire tout d'abord : elle prend place dans une colonie de vacances un peu "spéciale", à destination d'enfants ayant des capacités psychiques hors du commun. Elle est dirigée par le coach Morceau "Moory" Oleander, un ancien militaire et membre actif du corps d'élite des Psychonautes, sorte de super agents secrets qui règlent les crises mondiales en se servant de leurs capacités psychiques. Pour l'ouverture de cette session, il est accompagné de deux agents du corps psychonaute, le très froid et rigide Sacha Nein et la pétillante et exubérante Milla Vodello. Et c'est au milieu du speech nocturne de bienvenue du coach que débarque Razputin (Raz pour ses amis), un gamin qui a fugué du cirque parental pour réaliser son rêve : devenir un psychonaute. C'est évidemment Raz que l'on contrôle, et il n'est pas au bout de ses surprises dans ce camp !

Je n'en dirai pas plus pour ne pas dévoiler l'intrigue. Même si elle reste classique, elle est très bien menée et retient sans problème l'attention. On sent la qualité de l'écriture derrière, tout comme on apprécie le soin porté à chaque personnage au point de vue des dialogues. En effet, les dialogues naviguent entre l'absurde, le surréaliste et le carrément hilarant, du coup, on a vraiment envie de parler à tout le monde pour savoir ce qu'ils vont bien pouvoir nous sortir ce coup-ci !

Au point de vue du gameplay, je recommande vraiment le jeu à la manette. Une fois bien configuré, il permet d'être vraiment très efficace en jeu. Car Psychonauts est avant tout un jeu d'action/plate-formes. Raz devra donc sauter, combattre et utiliser ses pouvoirs psychiques. Ces pouvoirs psychiques vont se débloquer au fur et à mesure du jeu, en gagnant des badges, généralement en remplissant certains objectifs ou en atteignant un certain niveau. Le jeu se déroule en effet sur deux tableaux : le monde réel, où on peut interagir avec les différents PNJ, et l'inconscient des personnages. Les niveaux ne se gagnent pas en éliminant les ennemis (généralement dans le monde de l'inconscient) mais en rassemblant assez de "souvenirs" dans l'esprit des gens ou des cartes psychiques dans le monde réel.

Ces souvenirs se présentent sous plusieurs formes :
- les silhouettes fantomatiques qui flottent ça et là dans les niveaux. Ils sont toujours visuellement en rapport avec le niveau et forment la "psyché" de la personne dont on explore l'esprit.
- les coffre-forts qui renferment des souvenirs importants
- les "bagages émotionnels". Là, le concept est tellement hilarant que je vais vous le laisser découvrir par lui-même. Mais rien que ça me laisse penser que les concepteurs de Psychonauts (Tim Schäfer en tête) sont de grands, grands malades... pour notre plus grand plaisir !

Tout au long du scénario, Raz devra parcourir des environnements très différents et graphiquement très typés ; par exemple et pas forcément dans l'ordre : la base nautique du camp, l'esprit d'un descendant de Napoléon, celui d'un laitier paranoïaque, etc... Même si le principe reste à peu près le même dans tous les niveaux (récupérer des souvenirs, accomplir des objectifs), l'ambiance graphique et la narration sont telles qu'on reste plongé dans le jeu, sans ressentir de frustration, et ça, ce n'était pas facile !

Qui dit plate-forme dit forcément maniabilité. Heureusement, celle de Psychonauts est excellente, même si vous vous arracherez sans doute les cheveux pour aller chercher tel ou tel souvenir ou pour atteindre tel ou tel endroit. Pourtant, on n'est jamais bloqué, un peu de réflexion et d'expérimentation avec les pouvoirs suffit généralement à se sortir d'affaire. Seul le système de ciblage n'est pas toujours complètement au point, surtout quand on veut cibler quelque chose d'un peu loin. Mais cela reste assez peu gênant en définitive.

Il m'a fallu environ 19h de jeu pour parvenir à la fin du scénario et au niveau 63 environ de personnage. Cette durée de jeu est celle d'un joueur qui avait pour objectif principal l'histoire elle-même et non la collection de tous les objets et secrets du jeu, mais qui ne rechignait pas à se détourner de son chemin pour tenter des choses. Bref, si vous êtes du genre "speed player", vous mettrez sans doute moins temps, si vous êtes du genre "complétiste", cela vous prendra bien plus de temps.

Un mot sur les versions, le grand match Steam/GOG. Les deux versions ont leurs avantages et leurs inconvénients, en fait :
- la version GOG est sans DRM, vient avec quelques bonus sympathiques, mais est en anglais. Vous pourrez, par une petite manip, récupérer le texte et l'affichage en français, mais pas les voix.
- la version Steam n'a pas de bonus, mais elle offre des succès Steam et surtout elle peut-être mise en version française intégrale. Et franchement, la qualité du doublage français est bel et bien là !

Les deux versions se valent donc, d'autant que Psychonauts fonctionne sans aucun souci sur Win7 (même en 64 bits), reste à regarder les prix et la politique DRM des deux vendeurs...

En tout cas, dans quelque magasin que ce soit, n'hésitez pas à vous ruer dessus !!

[HL²]FakeFactory Cinematic Mod 11

Tue, 10 Jan 2012 08:58:06 +0000

Bon, il existe sans doute un (ou des) thread consacré à HL². Mais j'ai eu la flemme de chercher, je dois bien avouer.

Je voulais juste attirer l'attention de ceux qui ne connaissent pas sur l'existence de ce CinematicMod : http://cinematicmod.com/index.php

En gros : le gars a repris HL² et ses deux précédents épisodes pour quasiment tout refaire sur le plan graphique. Conclusion : je le recommande absolument... mais seulement peut-être une fois que vous avez terminé HL² et ses épisodes "Vanilla". Pourquoi ? Tout simplement parce que si l'histoire et les dialogues ne changent évidemment pas d'un iota, visuellement, on a carrément affaire à un nouveau jeu et surtout une toute nouvelle ambiance. HL² n'était déjà pas pas mal de ce côté-là, mais avec le Cinematic Mod, on touche carrément au sublime (attention, avis personnel).

Pour cela, l'auteur a notamment refait tous les éclairages, toutes les textures, tous les modèles de personnages mais il a également refait le décor de certains niveaux pour coller à l'ambiance. Conséquence : l'angoisse, le désespoir mais aussi des moments de pur bonheur sont multipliés par 10 ou 20 ! Ne serait-ce que le premier niveau, on comprend la déliquescence dans laquelle est tombée l'Humanité depuis que le docteur Breen a pris le pouvoir. Conséquence aussi, certains niveaux deviennent carrément terrifiants ! Ravenholm me faisait déjà bien sursauter en Vanilla, mais avec ce mod, les changements d'éclairage, j'ai carrément l'impression d'être dans un film d'horreur, c'est éprouvant pour les nerfs...

Et puis il y a les niveaux de pure sérénité, comme ceux où vous passez sur la plage, de générateur d'ondes soniques en générateur d'ondes soniques pour vous protéger des insectes qui surgissent du sable... Tout seul, sur le sable, face à l'océan, au soleil couchant, avec pour toute musique ce "booom" régulier, profond et sourd...

Mais attention, le Cinematic Mod joue aussi sur la difficulté en accroissant le réalisme des échanges de tirs. Voilà pourquoi je disais que ce mod est à prendre comme une deuxième expérience, après avoir battu le jeu Vanilla. Là, les échanges de tirs ne pardonnent pas. Il faut être précis, rapide et sans pitié car même avec votre combinaison au taquet, quelques balles bien placées et adieu Gordon Freeman... Ca peut devenir frustrant, mais on se prend assez rapidement au jeu et on persévère. Le Cinematic Mod n'est donc pas pour les novices.

Côté technique, maintenant, il faut disposer de HL² et de ses deux extensions sur Steam et les avoir lancés au moins une fois. Il faut également télécharger et appliquer le Source SDK et ses deux additifs de 2006 et 2007 (téléchargement gratuit dans la partie "Outils" du client Steam). Il faut aussi avoir un système d'exploitation 64bits si je me souviens bien, mais c'est à vérifier. Enfin, il faut bien sûr télécharger le mod... 7,8 Go tout de même !

Oui, la qualité ça se paie : comptez donc 25Go une fois le Cinematic Mod installé... mais ça en vaut la peine, je vous l'assure !

D'autant que le créateur a été bien inspiré pour tenter de plaire à tout le monde : si les décors, ambiances, etc... refaits sont imposés, on a un choix plus souple pour les modèles de personnages. Alyx est celle qui dispose du plus grand nombre de versions alternatives. Tout cela se gère en dehors du jeu, par un petit utilitaire inclus à l'installation et qui permet en quelques simples clics de sélectionner les modèles que l'on préfère. Si on veut garder les modèles originaux de Valve, aucun souci, il suffit de les sélectionner.

A savoir cependant que le Cinematic Mod dispose de ses propres raccourcis, et se lance indépendamment de HL² Steam, même si Steam doit être lancé pour qu'il fonctionne. Autre chose : n'espérez pas obtenir les succès Steam de HL² avec ce mod, puisqu'il foncitonne "en externe". Mais est-ce vraiment une perte ? Je ne le crois pas.

Alors voilà, si vous voulez patienter en attendant une hypothétique sortie de HL²: Ep. 3, le Cinematic Mod est un incontournable absolu.

[Windows 7] Créer un raid 0

Sat, 05 Nov 2011 19:33:10 +0000

Etant à la recherche depuis un certain temps d'un moyen de mettre en raid 2 disques dur en ma possession, je m'étais tourné dans un premier vers la solution de la carte contrôleur.
Mais le prix de ces cartes est assez prohibitif (rien à moins de 100€), et elles se justifient surtout si on est dans la démarche d'assembler un serveur. Aussi, j'ai continué mes recherches pour une solution logicielle.

Au fil de mes recherches, j'ai découvert que Windows 7 prenait en charge nativement le raid 0.
Ce qui correspond extactement à mon besoin.

Je propose donc de décrire ici la procédure à suivre pour le mettre en place.

/!\ ATTENTION /!\
- Première remarque, pour faire fonctionner ce raid, Windows 7 transforme les disques en disque "Dynamique".
Cela implique que ces disques ne pourront plus être utilisés pour faire démarrer un système.
Donc, si vous souhaitez monter un raid 0 pour accélerer un disque système, ce n'est pas la bonne méthode et il faudra se tourner vers une carte-mère avec un contrôleur intégré ou une carte contrôleur.

- Seconde remarque, cette manipulation a pour but de supprimer la totalité du contenu des disques qui vont être utilisés pour créer le volume raid.
Si des données sont présentes, pensez à les sauvegarder sur un autre disques avant de continuer.

- Dernière remarque, le raid 0 est un raid sans aucune sécurité. Si un des 2 disques lâche, les données sont perdues.
/!\ ATTENTION /!\

C'est parti!

Afficher le menu Windows
Cliquer avec le bouton droit sur "Ordinateur" et choisir dans le menu l'option "Gérer"

Dans la fenêtre qui s'affiche, sélectionner dans l'arborescence de gauche : "Stockage -> Gestion des disques"
Vous devez obtenir une fenêtre de ce genre :

On peut voir, dans mon cas, la présence de 4 disques.
- Le disque 3 est mon disque système
- Le disque 0 un disque de stockage
- Les disques 1 et 2 qui sont les disques que je vais utiliser pour créer mon volume raid 0.

La zone "1" correspond au disque physique tel qu'il est présent au sein de la machine.
La zone "2" correspond au disque tel qu'il est vu par le système.

Dans mon cas, ces 2 disques affichent l'information indiquant que leur espace n'est pas alloué ("Non alloué").
Si les disques ont déjà été utilisés, il se peut que d'autres informations soient affichées ("Volume sain", par ex.).
Il se peut aussi que cette zone soit découpée en plusieurs blocs.
Si tel est le cas, il faut effectuer un clic droit sur chaque bloc et choisir "Supprimer le volume".

Ensuite, cliquez avec le bouton droit sur un des disques pour afficher le menu contextuel et choisissez "Nouveau volume agrégé par bandes".

L'assistant de création du volume raid se lance.
Cliquez sur "Suivant".

Dans cette fenêtre, l'assistant vous propose de choisir les disques qui vont être utilisés pour le volume raid.
Le disque à partir duquel on a démarré l'assistant étant déjà choisi.
On sélectionne donc dans la liste de gauche les autres disques que l'on souhaite ajoute et on clique sur "Ajouter"
On notera que l'assistant ne propose que les disques disponibles pour créer ce volume : mon disques système et mon disque de stockage ne sont pas présents dans la liste.

Toujours sur cette fenêtre, il est possible de choisir la taille que l'on souhaite allouer. Dans mon exemple, la totalité de l'espace dispobnible sera utilisé, aussi, la valeur par défaut est laissée.

Cliquez sur "Suivant".

L'assistant propose ensuite d'attribuer la lettre de lecteur qui sera affectée à ce nouveau volume.
A moins d'avoir un besoin spécifique et de savoir ce que vous faites, laissez la valeur par défaut et cliquez sur "Suivant".

A l'étape suivante, il est demander de formater le volume.
Ici, encore, à moins de savoir ce que vous voulez extactement, laissez les valeurs par défaut.

Pour ma part, j'ai décoché l'option "Formatage rapide" et je n'ai pas donné de nom de volume.
Cliquez une dernière fois sur "Suivant".

L'assistant vous récapitule l'ensemble des paramètres choisis. Cliquez sur "Terminer".

Un avertissement vous prévient quand à la tranformation des disques en "disque dynamique" comme mentionné au début de cet article.
Cliquez sur "Oui".

L'écran revient sur l'outil de gestion de disques qui affiche le formatage en cours des disques.
Une fois ce formatage terminé, un nouveau lecteur avec la lettre choisie via l'assistant sera disponible.

En terme de performances, les disques que j'ai utilisé affichent un taux de transfert moyen individuel de 80Mo/s.
Une fois en raid 0, j'obtiens un taux de transfert moyen de 150Mo/s.

La gain est donc appréciable.
Voici une fonctionnalité qui permet à moindre coût de donner un boost en terme de performances.

Billie Jean pour les Geeks

Mon, 31 Oct 2011 10:45:52 +0000

Bonsoir !

Ce soir je me sens un peu d'humeur FUNKY, et j'ai à la fois soif de culture. Vu que ca m'a pris en jouant de la musique, je me suis dit qu'il serait bon de le partager

Depuis le revival du grand Michael, beaucoup ont tapé sur sa vie personnelle, mais peu ont expliqué pourquoi ca restera le roi de la pop ad vitam. Je vous propose un premier petit tour d'horizon, en regardant d'un oeil très 'geek' la chanson Billie Jean, qui fait assurément partie du Top #3 de sa discographie.

Je vous préviens d'avance, surtout si vous n'êtes pas musicien, pour que vous m'en vouliez pas. La suite de ce topic peut supprimer un peu de charme à la chanson, un peu comme quand on connaît un tour de magie. Par contre je pense que cela vous donnera une vue plus profonde de la chanson, de comment MJ construisait ses chansons en général, et peut être qu'il en résultera une sorte de compréhension du POURQUOI cette chanson est ce qu'elle est, pourquoi vous avez le poil qui se dresse en voiture et ressemblez à un beauf de base secouant la tête en poussant a fond l'autoradio, et ce qui vous aidera sans doute à mieux connaître la raison derrière vos goûts musicaux.

Billie Jean est une chanson hérisse Poil. Depuis un peu moins de 30 ans, elle me donne toujours le même effet. Ca PULSE A FOND. Ca s'arrête jamais. si je devais écouter UNE musique pendant tout un marathon, par exemple, je choisirais celle là, histoire de garder le rythme. Pourquoi donc?

Parce que Billie Jean s'appuie sur trois Concepts:
- La pulse et la puissance.
- La tourne.
- Le flow.

Pour comprendre cela, je vous ai fait un petit résumé du riff du début de la chanson, sur lequel on va se concentrer, sous forme de tableau. Il suffit de lire de gauche a droite en écoutant le passage que je vous ai découpé en même temps. Si vous n'avez aucune connaissance en solfège, SURTOUT N'hésitez pas a le lire, j'ai écrit ce petit tableau pour les profanes, et il vaut mieux car n'importe quel prof de solfège voudrait me péter la gueule . Faites vous confiance, ce que vous comprenez sera assurément ce qu'il faut comprendre

Le passage (qui est répété trois fois, pour éviter que ca soit trop court):
http://iriondalcor.f...r/images/MJ.mp3

Et le tableau:

Comme vous le voyez au premier abord si vous êtes un bon geek (et donc un tant soit peu attiré par les formes géométriques) C'est qu'il y a pas mal de symétrie la dedans.

Ce tableau se lit donc horizontalement, pour ce qui est du tempo, et verticalement, pour ce qui est de la décomposition des instrus, un peu comme un sampler avec des pistes quoi.

1. On va tout d'abord se concentrer sur la puissance et la pulse.
Le morceau est un 'simple 4/4' c est a dire que tout les '4', on reprend. Ca se traduit surtout a la batterie, ou vous pouvez voir que le schéma dans la zone marron est TRES TRES répétitif.
Le batteur tape sur la grosse caisse tout les 1 , le temps fort. Ensuite, il tapera sur la caisse claire tout les 3, le temps 'moyennement' fort, dixit les musiciens en général.
Enfin pour pas que ca soit trop creux, il y a une complétion tout les temps pair (2 et 4 )par de la charley (enfin ca en est pas mais c'est tout comme). En musique, on appelle ca un 'poum tchack' Le Mix de Billie jean est très simple, il faut avoir l'impression qu'on tape dans un sac de sable. a chaque frappe se déversé rapidement le sable, ainsi on a l impression d'avoir un son rempli, alors que finalement c est très décomposé et lent.

Ensuite la basse.
Je vous fait grâce pour l'instant des notes, façon les notes on s'en fout , spa important en rythme. Ce qui compte c'est que ca groove, faut que ca balance! Alors Louis Johnson, grand dieu de la basse devant l'éternel, a construit une basse Puissante a tout les niveaux (ouais parce que faire ca c est à la portée de tout le monde hein) il a construit une basse ou le temps fort et TOUJOURS sur la même note, le fa#
(regardez bien, une mesure sur deux, sur le 1 (temps fort) et sur le 4.).pourquoi donc?
Le temps 1 est fort, c'est sa nature. Mais le 4 ?
Le 4 est une amorce. il permet de revenir sur le 1. Il y a un battement très simple qui ressemble fortement à ca , c est le battement de cœur. Le battement de cœur est une fois fort et une fois un peu plus faible, comme une amorce. Donc si on écoute que la batterie ca fait poum tchack. Mais si on somme la basse et la batterie, on entends "poum .. poupoumm. poum ... poupoumm"
D'ailleurs c'est tellement puissant, que le mixage a été changé JUSTE sur cette note. Vous remarquerez en écoutant qu'il y a une légère saturation de la basse uniquement sur le fa#
et c'est là que tout commence à se mélanger, et pourquoi Billie Jean est une chanson qui Tourne littéralement dans la tête.

2. La tourne.
Alors ca tombe bien la voilà, la tourne. La tourne, dans Billie Jean ce sont les notes de la basse. Vous voyez que toutes les 8 notes, le schéma recommence. Comment ca marche ?
Là y a un secret de musicien, qui est dévoilé, mais pas trop pour garder le secret quand même , dans le tableau:
Vous noterez que j'ai mis des numéros sous les notes , dans la zone blanche 'gamme mineure de fa#', ligne 'basse'. Les numéros correspondent à la position des notes dans la gamme mineure de fa# (un choix de gamme débile comme un autre, assurément pour que michael soit à l'aise au chant)
La gamme mineure c'est important, c'est à ca qu'un morceau est triste. Vous entendez un morceau joyeux, c'est en Majeur, cherchez pas. Sinon ben c'est en mineur. Comme quoi la Zik spa si compliqué.
Revenons aux numéros. Vous noterez donc que Fa# est en 1. C'est ce qu'on appelle la tonique. Si vous deviez jouer qu'une note dans tout le morceau ca serait celle là, elle marcherait tout le temps, grâce à louis Johnson .
Vous remarquerez aussi qu'il y a beaucoup de 5. La réside le grand secret. Le 5 est la QUINTE (ouahhh... ) de la gamme, ici donc un Do#. Pourquoi c'est important ? Car la quinte est une note de TENSION. Finir un morceau par une quinte est IM-PO-SSI-BLE, à part si on veut que le morceau finisse pas. C'est encore plus vrai pour une tourne comme celle ci.

Donc si vous regardez bien vous remarquerez que la tension, le 5 donc, est très présente. Et en musique une tension, ca se résoud. Un morceau/ un riff qui se résoud prend Fin, l'oreille est agréablement amenée à un point final. c'est Culturel, et pas du tout physiologique en fait, on a construit la musique comme ca depuis des siècles, et maintenant c'est ancré génétiquement
Donc comment ca tourne ? Assez simplement. A chaque fois que 5 est présent, on y colle 'pas loin' derrière un 1, ou un 3, des notes qui RESOLVENT.
Et là, dans Billie Jean, c'est le cas. Mais c'est encore pire, Billie Jean est L'EXEMPLE SCOLAIRE d'une résolution bien faite. En effet, en musique existe la cadence qui porte ici bien son nom. Il s'agit de faire résoudre par la BASSE de l'accord un 5 par un 1, comme a la fin de chaque tourne, dans notre cas. Cela s'appelle une cadence parfaite, et donc comme vous l'avez compris c'est ici parfaitement résolu.

Alors ok, c'est puissant. Mais bon des morceaux qui font ca y en a plein, alors pourquoi Celui là mieux que les autres ?
Parce que l'explication n'est pas finie bien sûr.
Sous la ligne de basse dans le tableau, j'ai placé le synthé. Vous noterez tout d'abord que chaque note de synthé se situe au niveau du .. FA#. Parce qu'au cas ou ca suffisait pas d'avoir une tourne puissante, avec des fa# remixés, placés fortement, et intelligemment, et qui résolvent la ligne de basse dans un cas sur deux, il fallait que chaque note de synthé soit calée dessus pour accentuer la donne.
De plus. Le synthé joue une fois sur quatre un '3' (le La majeur). Un 3 Résout la tension donc c'est cool, CAR il est placé juste derrière un 5, dans notre cas précis, le 5 de la basse. Par contre ce n'est pas un 1, et c'est pas pour rien. Tout simplement car une tierce (le 3) mineure ici, donne l'effet nécessaire a rendre le morceau 'triste'.
si vous regardez bien c'est LA SEULE NOTE qui révèle la tenue du morceau. Si vous l'enleviez, vous auriez un morceau neutre sans saveur d'un point de émotionnel. Dansant grâce à la rythmique , mais pas chargé en émotion. Donc une mesure sur deux, le synthé met en valeur l'émotion du morceau, et augmente la puissance de la tourne. Une seconde tourne en quelque sorte, qui va deux fois moins vite que la première.

ce qu'il en résulte, vous l'avez compris. Chaque tension demande à être résolue, et chaque résolution demande à être comblée émotionellement. VOILA UN MORCEAU QUI NE S'ARRETE DONC JAMAIS !

3.Et c'est sur ca que s'appuie le troisième sujet,le flow.

-Premièrement et c'est bien simple, la basse est continue : 8 notes en 8 temps, 1 note par temps. Il n'y a pas de variation rythmique, pour le grand bonheur de l'assise musicale. Les autres musiciens / chanteur pourront donc 's'assoir' sur cette forme musicale, sans être embêtés par une variation qui les contraindraient à la suivre. Et ca c'est parfait pour .. le sample. Si un bout de trompette ou de violon (et y en a plus tard dans le morceau) devrait être intégré , il pourrait faire ce qu'il voudrait d'un point de vue rythmique.

Ensuite on note le chant de Michael. La ligne lyrique. Je vous fais grâce des notes, ca deviendrait chiant (comment ca je suis DEJA chiant ? ). On va regarder la forme, très simple. C est un flow qui ressemble quasiment a celui de la basse, très neutre en terme de variation rythmique. Alors Michael y insère DEUX trucs.
Le premier: l'espace que l'on remarquera dans les débuts de la première et troisième mesure. donnant un effet d'aération au flux de chant. Une fois sur deux , il y a une pause.
Le second: L'accentuation. Excepté la première mesure ( et encore on y reviendra) tout les accents sont sur le 4. Cela augmente (ENCORE ???!!) la pulse en amenant la mesure suivante, à chaque fois que fini celle accentuée. De plus une fois sur deux, ca pousse la Fa#. Enfin ca aide à la construction vocale:
Vous noterez qu'excepté le 'Scene' les autres syllabes sur le temps 4 sont des syllabes voyelles 'bouche ouverte'. Y compris le 'was'. Ce sont des voyelle de Respiration. il faut aspirer pour les sortir. Elles donnent donc de l'air à la chanson. de plus les voyelles ouvertes sont plus fortes, on a moins de mal à les pousser vu qu'elles sont graves, elles augmentent donc l'accentuation sur les '4'.

Nous voilà donc en fin d'analyse.
Avec un riff de morceau:
- Rotatif
- Doublement Rotatif
- Groovy
- Fortement rythmé
- Puissant
- et pourtant aéré..
- mélodique / mélancolique
- et propre à un mix de folie.

Je vous laisse donc à voter propre analyse de la transition et du refrain, qui sont tout aussi mortels.

Et au cas ou c'était pas assez la classe, Michael a propulsé le moonwalk aux yeux du monde dessus ! ainsi que le lancer de chapeau et le gant cosmique

J'imagine qu'après avoir mis en scène sa chanson et l'avoir interprété devant les Etats unis il a du se dire qu'une seule chose:

"D'autres questions ?"

Rien que pour la 'vraie' classe américaine:
http://www.youtube.c...h?v=kXhy7ZsiR50

Enjoy

Le monde des Lantern selon Johns

Tue, 04 Oct 2011 07:31:58 +0000

Il y a quelques jours, alors que nous prenions une belle rouste sur le Seigneur des Anneaux Online, Xavier et moi évoquions les derniers comics que j’avais lus, les changements à venir aux États-Unis et en France et le film de Green Lantern sorti quelques semaines auparavant. Bref, on papotait gentiment. Et tout à coup, il m’a balancé avec la plus grande candeur cette question traîtresse, simplissime en apparence et que je vous livre telle quelle, dans sa forme la plus crue : « Et sinon, Blackest Night, c’est bien ? ».

Oh le vilain piège. Est-ce que Blackest Night c’est bien ? Il aurait pu me demander mon avis sur pas mal d’autres trucs récents, mais non, il a fallu qu’il me lance sur ce cross-over monstrueux.

Je vous explique : normalement, quand on évoque entre nous nos récentes lectures (et ça arrive très souvent), ce genre de question est assez rapidement évacuée : « Ouais, c’est pas mal » ou alors « C’est génial, il faut absolument que tu le lises, les auteurs se sont surpassés », voire parfois « Ouhlà, oublie, tu vas te faire mal ». Sauf qu’une réponse même un peu argumentée ne convient pas quand il s’agit de parler du meilleur cross-over de DC. Parce que pour évoquer Blackest Night et expliquer le pourquoi du comment de l’évènement, et surtout pourquoi c’est bien, il faut remonter plusieurs années dans le temps. En 2004, pour être précis, l’année où Geoff Johns a mis la main sur Green Lantern et ne l’a plus lâché depuis. Ca tombe bien, ça fait un petit moment que je songe à vous parler du renouveau de la lanterne verte.

Allez, suivez-moi, je vais expliquer pourquoi Blackest Night c’est bien, pourquoi vous devez lire la saga Green Lantern et pourquoi Geoff Johns est un génie.

Hal Jordan, le premier policier spatial vert de terre.

Au départ était le premier Green Lanten (GL), Alan Scott, personnage créé pendant l’Age d’Or par Martin Nodell et Bill Finger (celui là même qui a créé le Batman mais s’est fait piquer l’idée par Bob KANE. Peut-être qu’un jour je vous raconterai tout ça) et largement copié sur la légende d’Aladin (le premier nom du personnage était d’ailleurs Alan Ladd).

Plusieurs milliers d’années dans le passé, une flamme verte magique s’est écrasée sur terre et a prophétisé qu’elle donnerait la mort (ce qu’elle fit en s’écrasant sur terre), puis la vie (en guérissant celui qui la trouva) et enfin le pouvoir à celui qui la porterait. Remodelée en lanterne magique par un artisan, elle est découverte par Alan Scott, donc, qui l’utilisa pour faire le bien une fois qu’il eut forgé un anneau de pouvoir magique.

A la fin des années 50, la série ne fait plus recette. En 1959, DC demande à John Broom de relancer Green Lantern avec le même succès qu'il a eu pour The Flash. Un nouveau GL apparaît donc sous la plume de Broom et les pinceaux de Gil Kane dans la revue Showcase #22. Hal Jordan, capitaine et pilote d’essai dans l’US Air Force, est choisi par un anneau de puissance pour succéder à son ancien porteur mourant, l’extraterrestre Abin Sur, échoué sur terre à bord de son vaisseau. Contrairement à Alan Scott, qui tire son pouvoir de la magie, Jordan tire sa puissance de la science, en l’espèce de la technologie plusieurs fois millénaire des créateurs de l’anneau. Cet artefact lui permet de matérialiser ses pensées sous forme de constructions composées d’énergie pure. La série connaîtra des hauts et des bas, Jordan aura sa propre série et finira naturellement par faire partie du noyau dur de la Justice League Of America (JLA, où son meilleur ami y est … Green Arrow bien évidemment) aux côté de la Trinité (Batman, Superman, Wonder Woman).

Hal Jordan ne restera pas un vert solitaire bien longtemps. Broom et Kane vont rapidement peupler l'univers de la Lantern. On voit donc apparaitre le jaune Sinestro (Broome avait crée auparavant la Némésis de Flash, Reverse-Flash, elle aussi jaune), les Gardiens de l'univers, Star Sapphire, etc... Les lecteurs découvrent qu'Hal Jordan est en fait un officier du Green Lantern Corps, une sorte de police spatiale chargée de protéger l’univers. Le QG de celle-ci se trouve se la planète Oa, située dans le secteur 0, sur laquelle se trouve Batterie Centrale qui alimente tous les anneaux du Corps. On apprend enfin que le Green Lantern Corps a été fondé par les Gardiens, une race aussi vieille que l’univers, et qu’au sein du Corps, chaque porteur d’anneau est responsable d’un secteur de l’univers. Issu de la terre, Jordan est responsable du secteur 2814 sur les 3600 que compte l’univers connu.

De nouveaux alliés humains font leur apparition, Guy Gardner (en 1960, pendant l’âge de bronze), John Stewart (1970, fin de l’âge de bronze) et Kyle Rayner (1994, à l’âge moderne), ainsi que toute une tripotée d’aliens.

A la fin des années 90, DC tente un coup osé pour relancer les ventes de la série: tuer Jordan. Tout commence par l’incinération de Coast City, sa ville d’origine, par Mongul. Fou de rage, Hal Jordan se laisse infecter par le parasite Parallax, incarnation de la peur, détruit le GL Corps et tente de réécrire l’histoire dans le sens qui lui convient (cross-over Zero Hour, crisis in time, 1994). Et en 1998, DC publie le cross-over Final Night au cours duquel un dévoreur de soleils s’attaque à l’étoile de la terre. Alors que tout semble perdu, Jordan/Parallax apparaît et se sacrifie au dernier moment pour rallumer le soleil.

Privées de Jordan, les séries GL et GL Corps vont vivoter gentiment dans le catalogue DC au point de presque tomber dans l’oubli. Et puis il y eut Geoff Johns.

Geoff Johns, le génie de la lanterne.

Geoff Johns est un scénariste touche à tout. Il a un peu travaillé pour la télé et le ciné (il a participé à l’épisode pilote de la série Blade (2006) et à Green Lantern le film, bien évidement). Mais c’est en tant que scénariste de bd qu’il est le plus connu. En 1997, en visite à New York lors de la production du film Complots à laquelle il participe, il rencontre Eddie Berganza à qui il fait part de son amour pour les comics. Pistonné par Berganza, le jeune Johns entre chez l’éditeur de Broadway (les deux grands concurrents ont leurs bureaux à New York. Ceux de DC se situent 1700 Broadway avenue et Marvel à son siège au 417, 5th avenue) qu’il ne quittera plus (même s’il a rendu quelques rares travaux pour Marvel ou Dark Horse, avec quelques épisodes X-Men ou Avengers ainsi qu’peu de BPRD ou de Witchblade). Autant dire que depuis le temps, il connaît très bien les personnages de la Distinguée Concurrence et surtout, tout ce qu’il touche se transforme en or (Superman : Secret Origin, The Flash : Rebirth, c’est lui. La série évènement 52 ? Encore lui).

Or il se trouve que Johns a un faible pour la série Green Lantern et spécialement pour Hal Jordan, le seul Lantern digne de ce nom à ses yeux. Bien décidé à écrire en vert, il sollicite et obtient en 2003 l’autorisation de plancher sur l’univers du GL. Problème, Jordan est mort. Mais Johns n’est pas du genre à se faire arrêter par un pareil détail.

En 2004, associé à Ivan Reis aux pinceaux, il sort Green Lantern : Rebirth, relaunch osé d’une série qui n’était attendue par personne. Et c’est le carton plein. Car Johns n’est pas un amateur. Petit génie de l’écriture, il ressuscite Jordan avec intelligence et surtout crédibilité. Ici, pas de machine à cloner, de héros renvoyé dans le passé ou d’imposteur polymorphe. A sa mort, l’esprit de Jordan s’est retrouvé mêlé à celui du Spectre, l’esprit de la vengeance (vert, un personnage vert, bien entendu) pendant que son corps repose au centre du soleil, protégé par son anneau de puissance. Le but premier de Johns était certes d’absoudre Jordan des atrocités commises pendant qu’il était sous l’emprise de Parallax. Pour lui permettre d’aller de l’avant, le scénariste tenait en effet absolument à repartir avec un héros neuf et positif, qui n’a rien à prouver et encore moins à se faire pardonner en permanence.

Absout de ses péchés, Jordan peut reprendre son travail au sein du Corps. Les premières histoires vont le remettre dans le train. Les auteurs lui réservent au début quelques aventures solos, lui créent de nouveaux ennemis ou en font revenir d’anciens. Bref, ils posent les bases et présentent le personnage. Rien de bien novateur finalement au pays des supers, si ce n’est le talent de Johns pour écrire de bonnes histoires et de Reis pour les mettre en action. Cette réintroduction de personnage et de son univers constitue la première partie de la trilogie Blackest Night. Elle se compose des arcs Rebirth, Revenge of the Green Lantern Corps, No fear et Wanted : Hal Jordan (Green Lantern vol.4 #1 à #20).

Mais le plat de résistance reste à venir. Il arrive trois ans plus tard avec Sinestro Corps War, une maxi-série de 11 épisodes publiés entre juin et décembre 2007 (Green Lantern vol.4, #21 à #25 et Green Lanter Corps #14 à #19).

Sinestro était le meilleur GL du Corps. Mais face au conservatisme des Gardiens et à leur retenue qu’il considère comme de la faiblesse, il décide de tourner le dos à sa famille pour se laisser envahir par une émotion qu’il juge bien plus puissante : la Peur. A noter que la trahison de Sinestro pourrait constituer la base de la suite du film Green Lantern si on se fie à l’après générique. Il se retrouve alors à la tête d’une armée de tueurs, tous choisis dans les différents secteurs de l’univers pour leur « capacité à instiller une grande peur ». Même le Batman se verra proposer le job par l’anneau jaune de son secteur (le 2814 pour ceux qui ne suivent pas), mais il déclinera peu poliment l’offre.

Grâce à son Corps, Sinestro entend faire régner enfin l’ordre dans l’univers par la peur. Ce faisant il déclenche une guerre contre son ennemi intime, le GL Corps. Après de nombreux combats épiques, le sauvetage in extremis de la Terre (présentée comme le point d’équilibre du multivers, vive nous) et de très lourdes pertes chez les GL, Sinestro est finalement arrêté et placé en détention sur Oa jusqu’à son jugement.

Si le public avait très bien accueilli le retour de Jordan, la série Sinestro Corps War, va exploser tous les scores de ventes de l’éditeur. Geoff Johns et son comparse Dave Gibbons ont repris un concept développé en 1986 par Alan Moore et Kevin O’Neil (dans la série Tales of the Green Lantern Corps Annual #2). Mais les deux scénaristes sont allés bien plus loin et ont considérablement enrichi l’idée de base.

La recette du succès est assez simple et tient en un mot: démesure. Prenez 3600 tueurs et mélangez à autant de flics spatiaux préalablement dépouillés de toute force létale. Mixez jusqu’à ce que la préparation jaunisse. Ajoutez une large dose de Manhunters, les robots que les Green Lanterns ont remplacé quand ils sont devenus fous, menés par le cyborg-Superman et secouez. Pour épicer, saupoudrez d’un trait de Superman Prime enragé. Et, cerise sur le gâteau, décorez avec le Gardien du Sinestro Corps: l’Anti-Monitor. « Je voulais totalement truquer le jeu contre le Corps des Green Lanterns. Je voulais qu’ils se retrouvent face au plus puissant rassemblement de supers-vilains de leur histoire. Alors je suis allé aussi loin que je pensais pouvoir le faire » (Geoff Johns dans son Journal de Guerre, publié dans le tome 2 de Sinestro Corps War).

Sinestro Corps War a été classé par les journalistes spécialisés dans le top 10 des séries de l’année. Et les dessinateurs Ivan Reis et Ethan Van Sciver furent nominés dans la catégorie « meilleurs dessins et encrages » pour les Eisner Awards de 2008. La série a par ailleurs été une des meilleures ventes de DC et a redonné le sourire à son éditeur en chef, Dan Didio. Au vu du succès et de la qualité de l’arc, ce dernier a d’ailleurs insisté auprès de Johns pour qu’il intègre l’intrigue au scénario du futur MMORPG DC Universe Online.

D’aucuns auraient pu penser que le soufflé retomberait après une telle réussite. C’était mal connaître Johns. Avant de se lancer dans la troisième et dernière partie de sa trilogie, le scénariste choisit ce temps mort pour sortir enfin sa réécriture des origines de Jordan, annoncée à coups de courts flashbacks alléchants tout au long des épisodes précédents.

Car comme on l’a dit, Jordan est apparu en 1959. Pendant près de 50 ans, les différents auteurs qui sont passés sur le personnage ont ajouté des éléments parfois très disparates à la mythologie du héros. Tellement qu’au bout d’un moment, tout et son contraire coexistait, les scénaristes se contredisant les uns les autres ou étant à la peine pour embrayer sur les idées parfois farfelues de leurs prédécesseurs.

Conscient du problème, le premier fan du personnage et nouveau roi de la galaxie DC va s’atteler à remettre de l’ordre là-dedans. Green Lantern : Secret Origin a été publié dans Green Lantern Vol. 4 #29 à #35 (mars à septembre 2008). Et là encore le public fut au rendez-vous. Tout y est : Abin Sur, Sinestro vert, le premier serment de Jordan, son béguin pour Carol FERRIS. Mais en plus de réussir à synthétiser et actualiser 50 ans d’évènements, Johns arrive à apporter des explications à des éléments jusqu’alors jamais précisés (par exemple, on sait maintenant pourquoi Jordan tient tant à son blouson d’aviateur). Brillante, l’histoire a été pensée pour pouvoir être lue de manière autonome mais aussi pour s’insérer dans la trilogie en cours. Et elle réussit le pari de satisfaire les anciens, attentifs au respect de la mythologie du policier spatial, comme les néophytes, qui peuvent découvrir le héros dans une histoire abordable et contemporaine.

Les nouvelles origines de Jordan réécrites et les bases de Blackest Night posées, Johns peut enfin attaquer la dernière partie du prélude de son cross-over.

Quand les Rainbow Warriors débarquent.

La plus grande réussite de Johns est donc de réussir à mettre en place le gros évènement qu’il avait en tête dès le début. Par petites touches discrètes, lors d’apartés au premier abord sans intérêt ou de discussions sibyllines entre les Gardiens, Johns annonce progressivement une prophétie sur le point de se réaliser : l’arrivée de la Blackest Night, la Nuit la plus Noire, qui doit signer la fin de toute vie dans l’univers.

Le nom de cet évènement n’a pas été choisi au hasard. Le scénariste est allé le chercher … dans le serment des Green Lantern prononcé lorsqu’ils rechargent leur anneau :

In brightest day, in blackest night,
No evil shall escape my sight
Let those who worship evil's might,
Beware my power... Green Lantern's light!
(J’aurai quand même réussi à le placer celui-là)

Ce serment n’était à l’origine qu’un gimmick identitaire propre à la série. Johns en fera une prophétie.
Par ailleurs, le scénariste avait dès le début en tête l’image d’un spectre d’émotions, à la manière d’un arc en ciel. Si la nuit noire arrive, seul le blanc peut la combattre. Or qu’est-ce que le blanc sinon la fusion de sept couleurs dont … le vert et le jaune ?

Le vert (la volonté) et le jaune (la peur) sont à la base de la mythologie de la série. Le violet (l’amour) était lui aussi présent mais sous une forme différente. Grâce à Johns, on apprend en effet que les Star Sapphire sont en fait les femmes des Gardiens. Quand elles apprirent les plans de leurs hommes, abandonner toute forme d’émotion pour préserver l’univers, elles décidèrent de s’exiler sur la planète Zamaron pour y créer leur propre Corps. Il aura « juste » suffit à Geoff Johns de transformer leurs pierres de puissance en anneaux pour les intégrer à l’univers des Lantern (Green Lantern vol.4 #20 de juillet 2007 et compilé dans le recueil Wanted : Hal Jordan).

Johns va donc utiliser la dernière partie du prélude à Blackest Night pour présenter les couleurs manquantes et révéler enfin un spectre d’émotions complet.

Tout d’abord le rouge (associé à la rage) dans Rage of the Red Lantern (qui contient les épisodes Green Lantern vol. 4 # 26 à #28 relatifs aux Alpha Lantern, sorte de police de la police verte, et #36 à #38 consacrés donc aux lanternes rouges), puis l’orange (l’avarice) dans Agent Orange (Green Lantern vol. 4 #39 à #42). Et entre deux bastons spatiales, le scénariste trouve le temps d’installer le Blue Lantern Corps (associé à l’espoir) mené par Saint Walker et l’Indigo Tribe (gardienne la compassion), pour laquelle tout reste à écrire.

Fidèle à sa réputation de perfectionniste, Johns a organisé son spectre des émotions sur la même structure que celui des couleurs. Le vert, le plus puissant, est au milieu et sert de point d’équilibre et de canaliseur pour les autres couleurs. Les couleurs situées en bas du spectre (jaune, orange et rouge) sont celle du mal et tous leurs « infectés » (le scénario de Rage of the Red Lantern lorgne sur celui de 28 jours plus tard, l’un des films préférés d’Ethan Van Sciver) sont dominés par leur anneau. Alors que les couleurs du haut du spectre (bleu, violet et indigo) sont associées au bien et leurs porteurs contrôlent leurs émotions donc leurs anneaux. Ce genre de détail peut paraître simple mais il est révélateur de la propension qu’a Johns à tout penser, organiser et expliquer. Mieux, en plus de créer ces corps, de leur inventer une histoire, un QG et des capacités propres, Johns va jusqu’à leur donner à chacun … un serment, dont la structure est calquée sur celui des Green Lantern. Ce type est tout simplement un génie.

Sept couleurs, sept émotions, tous les pions sont en place. L’arc Agent Orange marque la fin de la troisième partie du prélude à Blackest Night. La guerre de la Lumière peut avoir lieu.

Noir c'est noir, il n'y a plus d'espoir

L’histoire commence alors que Green Lantern et Flash (Barry Allen, revenu d’entre les morts et nouvelle tête d’affiche chez DC grâce à … Geoff Johns) se recueillent sur la tombe de Bruce Wayne et évoquent leurs amis tombés au combat, dont le dernier n’est autre que le Martian Manhunter. Dans le même temps, un sinistre personnage au costume aussi noir que son âme, Black HAND (alias William HAND, un ennemi de Jordan crée par John Broom en 1964 dans Green Lantern #29. Il s'agit en fait d'un clin d’œil à son ami William "Bill" Finger. Et tout comme Finger, Hand a la manie de tout noter dans un petit carnet), distribue des anneaux noirs à tous les guerriers récemment morts. Son objectif est de se constituer une armée de zombies qui doit lui permettre d’invoquer l’esprit de la mort. Et d’enfin régner sur un univers apaisé, libéré de toute vie donc d’émotion.

Connectés à leur anneau noir, ses zombies se nourrissent des émotions de leurs ennemis, sont indestructibles et bien entendu tout héros tué est immédiatement ressuscité par un anneau noir et passe dans l’autre camp. La crise est totale et tous les personnages de l’univers DC sont touchés, héros comme vilains.

Blackest Night a été le plus gros évènement comics 2009-2010. Servi par les talents conjugués de Johns et Reis, ce cross-over a réussi un double exploit : éclipser les productions Marvel parues à la même période, dont le cross-over Siege de Brian Bendis et Olivier Coipel (L’éditeur en tirera des leçons puisque l’année suivante les X-men seront confrontés à une armée de mutants zombies réveillés par Sélène et le cross-over annuel de l'éditeur confronte les super-héros à l’incarnation de la peur dans Fear Itself, et sa suite en négatif No Fear) et faire passer Flash et Green Lantern devant la sacro-sainte Trinité Batman-Superman-Wonder Woman en terme de popularité comme de ventes.

Autre point positif de la série, elle permet à Johns de ressusciter de nombreux personnages importants de l’univers DC (notamment Aquaman, pour lequel il a un faible et un plan) et de mettre en avant des personnages jusqu'alors secondaires, dans le but avoué d’apporter de la nouveauté dans l'univers DC. Johns va notamment donner ses galons de star à Méra, l'épouse d'Aquaman, véritable furie capable de faire jeu égal avec Wonder Woman.

Blackest Night est donc à de nombreux égards une immense réussite, une histoire parfaite, maîtrisée de bout en bout, dont les bases ont été subtilement posées pendant cinq ans. Pour autant une question subsiste. Celle-là même que Xavier avait posée : est-ce que c’est bien. Comprenez, « Est-ce que sa lecture est conseillée ? ». Et c’est là que ça se complique.

Oui, Blackest Night doit être lue. Mais pour apprécier pleinement ce copieux repas et éviter l’indigestion, le lecteur averti doit remplir deux conditions sous peine d’être rapidement perdu voire découragé.

Connaître les prémisses et les clefs de cette histoire (et cet article est une modeste tentative pour vous y aider). Et pour ça, il n’y a pas de miracle, il faut en passer par la lecture des épisodes de Green Lantern depuis son retour sous la plume de Johns et les pinceaux de Reis. Ça tombe bien, ces histoires sont toutes excellentes.
Avoir la même culture encyclopédique de l’univers DC que Johns. Et ça, ça ne s’invente pas. Heureusement entre les explications des auteurs ((Sinestro Corps War vol.2 et Blackest Night contiennent des cahiers bonus extrêmement riches en informations)) et internet il est facile de rattraper le retard.

On l’a dit, Geoff Johns a majoritairement écrit pour DC depuis le début de sa carrière. Il connaît excellemment bien tous les personnages de l’éditeur, du héros de premier plan au vilain de seconde zone. Et perfectionniste comme il est, il ne connaît pas seulement leur existence mais tout de leurs histoires à leurs traits de caractère. Si vous voulez vous lancer dans Blackest Night, et je ne peux que vous encourager à le faire, vous devrez soit être un pro de l’univers DC (vous savez qui est Méra ? Vous avez déjà entendu parler de Hawk & Dove ? Vous connaissez la malédiction qui pèse sur Hawkgirl et Hawkman ?), soit accepter d’avance l’idée d’approfondir vos connaissances.

Pour autant, si Johns à travers Blackest Night a permis à DC de revenir sur le devant de la scène, tout son apport vient de s’effondrer. Entre-temps, l’industrie des comics a plongé dans une crise sans précédent et tous les éditeurs, du plus petit au plus grand, cherchent de nouvelles solutions pour continuer d’exister.

C’est ainsi que DC a annoncé une refonte totale de son univers dès septembre 2011, un reboot de l’ensemble de ses séries et personnages (seul Batman échappe à cette remise à zéro). Tous les personnages et toutes les séries repartent du numéro #1, 52 séries sont prévues pour sortir simultanément tous les mois, avec 52 équipes artistiques différentes qui auront pour mission de réécrire intégralement toutes les origines des personnages. Geoff Johns ne quitte pas le navire pour autant puisqu’il écrira les nouvelles aventures d’Aquaman mises en image par Ivan Reis et bien évidemment celles du Green Lantern nouveau. L’autre grande annonce dans ce reboot, c’est le retour de Jim Lee aux pinceaux. Le dessinateur doit en effet reprendre la JLA, sous la plume de …Geoff Johns.
De tout ce qui a été, DC fait table rase et recommence avec un univers principal plus jeune et plus contemporain (un peu comme l’a fait Marvel avec son univers Ultimate).

Dès lors, facile de comprendre que tout le travail de Johns tombe à l’eau : tous les personnages qu’il avait sorti des fonds de placard sont abandonnés et tout son travail de réécriture est oublié. Difficile de se motiver à lire une série et son point d’orgue en se disant qu’il n’y aura pas de suite. Reste quand même de superbes histoires qui auront marqué l’histoire des comics et de DC.

Si on a beaucoup parlé ici du travail du scénariste, il ne faudrait pas occulter celui du dessinateur. Pendant sept ans, Ivan Reis a rendu comme un métronome des planches frôlant la perfection. Méticuleux, il s’est chargé seul du design de centaines d’aliens, de tous les costumes (permanents ou temporaires) des personnages principaux ou secondaires, des emblèmes des factions, des différents mondes visités, poussant le vice jusqu’à imaginer un design différent pour chaque anneau ! Un travail d’orfèvre à la qualité constante. Et il reste à l’aise aussi bien dans les scènes intimistes qu’avec des centaines de personnages se mettant royalement sur la courge dans des doubles pages explosives.

A noter que Reis a parfois laissé la main à quelques invités prestigieux (Carlos Pacheco, Ethan Van Sciver, …). Dans l’ensemble, ces fill in sont réussis et on ne relève au final qu’un malheureux accident (dans Wanted : Hal Jordan, le travail d’Oclair ALBERT sur l’épisode des Star Sapphire est … comment dire … affreux ?).

« C’est bien beau tout ça, mais nous quoi qu’on lit là dedans ».

C’est facile : tout ce qui vient d’être évoqué dans cet article. Coup de chance, à la faveur de la sortie du film Green Lantern, Panini a commencé à publier les premiers recueils consacrés au flic de l’espace.

Les lecteurs français peuvent donc trouver en librairie Green Lantern : Renaissance en version Deluxe (livre relié, couverture cartonnée) ainsi que Green Lantern : secret origin en recueil souple broché. Idéal pour se lancer dans l’univers du porteur de l’anneau.

L’intégralité de la série de GL et les huit épisodes de Blackest Night ont été publiés dans le mensuel DC Universe. Si une édition en recueils est pour le moment incertaine, vous pouvez toujours vous procurer les fascicules en occasion et reconstituer l’intégralité de l’histoire. Mais à la difficulté de les trouver tous s’ajoutent celle de suivre une histoire fragmentée et l’obligation de se farcir les autres séries du mensuel, pas toujours intéressantes.

Enfin, on peut trouver depuis peu en librairie Blackest Night - Green Lantern Corps dans la collection DC Big Book (recueil broché, papier poreux recyclé, mais prix compétitif). Si ce choix parait évident pour un lectorat peu habité à l’univers de la lanterne (l’éditeur prend peu de risque avec le GL Corps et Kilowog en couverture après que les rues ont été arrosées d’affiches pour le film), il est dommage que Panini n’ose pas aller au bout pour proposer d’autres annexes, notamment celle consacrée au Black Lantern Corps, de loin la série parallèle la plus intéressante.

Deux points viennent toutefois ternir ces sorties pourtant attendues des fans français.

Tout d’abord la qualité des livres : depuis que Panini a repris le catalogue et les droits DC et Marvel à Semic, l’éditeur s’est fait remarquer pour la qualité déplorable de ses traductions. Au point que certains traducteurs sont maintenant connus et régulièrement conspués sur les forums. Origines Secrètes est à ce titre un modèle de ratage, critiqué de toute part tant pour son niveau de français affligeant que pour ses erreurs d’impression (de nombreuses cases de bas de page ont été coupées).

Surtout, Panini a annoncé qu’il perdrait en 2012 ses droits sur les publications DC Comics au profit de Dargaud. Il ne reste donc que quelques mois à l’éditeur italien pour publier l’intégralité des épisodes de GL par Johns et Reis en recueils. Ça, mais aussi le reste des séries en cours. Autant dire mission impossible. Et rien ne nous assure que Dargaud poursuivra le travail commencé par son prédécesseur.

Pour lire les aventures de Green Lantern en recueil, il est donc préférable de se rabattre sur les versions américaines, qui assurent d’avoir une collection complète, respectueuse et moins chère mais qui sanctionne les lecteurs les moins anglophones.

Cette question de changement d’éditeur en France se pose avec encore plus d’acuité quand on sait que Panini vient de commencer la publication en kiosque de Brightest Days, mini-série de 26 épisodes commencée en avril 2010 aux États Unis. Scénarisée par Geoff Johns et Peter Tomasi, dessinée en alternance par Ardian Syaf, Scott Clark, Patrick Gleason, Joe Prado et bien évidemment Ivan Reis ((les couvertures sont signées David Finch)), elle constitue la suite directe de Blackest Night.

Elle narre les aventures des 12 héros et vilains revenus à la vie à l’issue de Blackest Nigh alors qu’ils cherchent à comprendre les raisons de leur salut : Professor Zoom (la Némésis de Flash), Jade (la fille d’Alan Scott et petite amie de Kyle Rayner), Osiris, Maxwell Lord, Hawkgirl et Hawkman (libérés de leur malédiction), Aquaman Martian Manhunter, Jason Rusch, Captain Boomerang, Hawk (du duo Hawk & Dove), et Boston Brand. Et Batman ? Ben non, pas Batman. Et pourquoi ? Parce qu’il n’est pas vraiment mort.

Petit aparté pour vous prévenir : si vous étiez perdu avec les personnages de Blackest Night, il vous sera encore plus difficile de suivre Brightest Day si vous ne connaissez aucun des ressuscités.

Conclusion : Blackest Night c’est bien, vous devez lire la saga Green Lantern et Goeff Johns est un génie.

Chacune des arches narratives de la saga Green Lantern, depuis Renaissance jusqu’à Blackest Night, mériterait un article particulier tant elles foisonnent de détails et de références. En donner quelques exemples serait réducteur, les lister tous, impossible. Avec Johns, chaque case, chaque bulle contient un élément important, chaque mot est soigneusement choisi. Et pourtant, tout reste fluide et compréhensible malgré des interactions entre des centaines de personnages.

Au final, la saga de Johns et Reis s’impose à tous les niveaux : histoire simple à même de contenter facilement les lecteurs occasionnels, elle recèle suffisamment de référence et de détails pour occuper les aficionados longtemps après qu’ils auront terminé leur lecture.

Portée par un couple d’auteurs au somment de leur art et à l’aise aussi bien dans les scènes psychologiques que dans les bastons spatiales homériques, la saga Green Lantern ne faiblit à aucun moment et s’achève en apothéose. Riche, brillante, addictive, explosive, elle mérite son succès public et tous les superlatifs décernés pendant sept ans par la presse spécialisée comme généraliste (dont le prestigieux New York Times).

(Je vous invite à retrouver ce copieux article agrémenté de belles images et des jeux de mots stupides sur Kroniks)

Fraude bancaire

Wed, 07 Sep 2011 18:21:51 +0000

J'ai connu aujourd'hui ma première fraude bancaire et je voulais vous faire partager cette expérience et ce que j'ai appris.

Les faits d'abord. Ce matin, par habitude, je suis allé consulter mon compte bancaire.
Première surprise, je vois un solde négatif, mais encore dans la limite de mon découvert autorisé.
Inquiet et pensant dans l'immédiat à une dépense oubliée, j'affiche le détail pour m'apercevoir que ce sont sept chèques qui m'ont été débités.
Sept chèques appartenant à un chèquier que je n'ai jamais eu en ma possession.
Il faut savoir que dans mon cas, je reçois mes nouveaux chéquiers par la poste, via un courrier simple.

Comprenant ce qui s'est passé, je me rends immédiatement auprès de l'agence bancaire pour signaler cette anomalie.
J'explique la situation et première réaction : "Ca alors, c'est la première fois!" (Enchanté, pour moi aussi, ça fait mal au réveil, mais on s'y fait).
Deuxième réaction: opposition est faite sur tous les N° de chèques (Un bon point, cela évitera davantage de dégat sur mon compte).

Par la suite, j'assiste une petite panique, parce que si l'opposition semblait logique, comment procéder pour la suite?
De mon côté, je ne voyais rien d'autre à faire que ce que j'ai fait jusqu'à présent. Après tout, je n'ai jamais reçu le chéquier, on ne m'a donc rien volé.
Coup de fil de la banque à son assurance (Oui Bonjour! [...] Ah oui, on est dans un coin sympa, c'est sûr. Et la famille, ça va? [...] Moui... [...] je veux bien te croire [...] Ah oui au fait!)
Bref, cela papote, cherche dans les procédures, parce que, vraiment, je suis le premier de ce genre pour les employés de l'agence. Youhou!

Au final, un semblant de choses à faire est trouvé. Je dois donc rédiger dans un premier temps un lettre manuscrite (Aïe! Ma pauvre main, je n'ai pas écrit autant depuis... je ne sais même plus) certifiant que je n'ai jamais, mais alors jamais reçu ce chéquier, ni signé ces chèques.
Ensuite, il faut que j'aille porter plainte au commissariat de police ou une gendarmerie pour vol. On me fait la remarque que la police ne voudra pas me recevoir pour une plainte, parce que c'est pas bon pour leurs statistiques, mais que si il faut bien insister.
Et il faudra que l'agence aussi, porte plainte (On y va ensemble? Je vous paie le resto après. Non? Bon, tant pis).

Me voici donc parti, joyeux (après tout, je suis en train de râter une matinée de boulot et il ne fait pas trop mauvais), au commissariat le plus proche.
Je me présente, explique la raison de ma venue, j'attends à peine, et un gardien de la paix me reçoit.
Je lui explique à nouveau et là, comme on m'avait prévenu à l'agence, on ne veut pas prendre ma plainte, mais une main courante, pourquoi pas.
J'insiste, j'explique que cela fait partie de la procédure de la banque pour compléter le dossier, et là, une gardienne de la paix vient en renfort de son collègue, pour enfoncer le clou.
Par contre, point d'histoire de quotas, ici, mais simplement une directive décrivant exactement mon cas, à savoir un chéquier envoyé par courrier simple, et pour lequel, comme c'est la banque qui subit un préjudice, c'est uniquement à elle de porter plainte.
C'est marrant, mais on dirait un peu la réflexion que je m'étais faite en premier lieu. Et puis accessoirement, entre deux gardiens de la paix et une employée de banque, j'ai vite compris de quel côté rangé mon avis.
Ainsi, séance théatrâle dans un commissariat, où le silence pesait pendant la rédaction du document.

Armé de ma main courante (le document, hein, aucun rapport avec la famille Addams), je retourne voir la banque pour leur donner le sésame.
Là, on me questionne pour savoir pourquoi ils n'ont voulu que je porte plainte, je leur réponds ce qui m'a été dit et que accessoirement cela fait 2 ans que ce genre de cas n'est plus concerné par des plaintes de client.
Là, comme ça, je verrais bien une mise à jour des procédures, mais bon. Etant donné comme elles sont difficiles à trouver, je n'imagine même pas pour les modifier.

Je quitte mon agence donc, en attendant des nouvelles qui arrivent rapidement, me rassurant sur le fait que je serais crédité en début de semaine prochaine du montant prélevé.

Au final, j'ai appris ceci :

Ne plus se faire envoyer un chéquier par courrier simple. Je sais, c'est basique, élémentaire, et cela saute comme le nez au milieu de la figure, mais je n'avais jamais eu de problème avant. De plus, j'utilise très peu de chèque. Mon carnet actuel a été commencé en 2009. Bref, la prochaine, c'est retiré à l'agence.
Les signatures sur les chèques sont vérifiées par tirage au sort. Oui, comme à la tombola de votre école d'enfance. Autant dire que c'est très efficace.
Le dépot de plainte, que ce soit pour ce cas, ou bien les fraudes de cartes bancaires n'est pas nécessaire. Dans tous les cas, c'est un préjudice subit par la banque et elle a obligation de vous rembourser. Donc, vous n'aviez rien à faire à part informer votre banque et faire opposition.
Quand je vois la rigueur des procédures bancaires, je ne m'étonne même plus de la situation boursière actuelle.
Il peut y avoir quand même de très jolies filles à la police (je ne me poserai pas la question du caractère par contre).

La Marseillaise est-elle un plagiat?

Tue, 06 Sep 2011 09:07:49 +0000

"Vous savez que la Marseillaise est un plagiat?" c'est à peu près le discours que m'a tenu une connaissance au cours d'une conversation. Mais comme il ne pouvait pas citer la moindre source je n'y ai accordé aucun crédit. Jusqu'à retomber sur cette affirmation dans un commentaire youtube. La coïncidence étant trop belle, je me dit qu'à un moment il y a dû y avoir un buzz médiatique à ce sujet. Effectivement google regorge de liens vers des forums ou des blogs relayant cette affirmation sans toujours citer des sources fiables. La question ayant définitivement piqué ma curiosité j'ai donc fait quelques recherches dont voici le résultat.

Cette thèse a été émise vers 1886 par Arthur Loth dans un ouvrage intiulé La Marseillaise: enquête sur son véritable auteur. N'ayant pas pu encore lire le livre, mais seulement des extraits via Google Books je vous résume ce que j'en ai lu. Arthur Loth soutient que sa famille est en possession de la partition d'un oratorio intitulé Esther de la main d'un organiste de Saint-Omer M. Jean Baptiste Louis Grisons dont le début comporte un thème rigoureusement similaire à notre hymne national, rythmique similaire mais tonalité légèrement différente. Problème Grisons n'a jamais revendiqué la paternité de CE thème précisément, mais la partition est incontestablement antérieure à la partition de Rouget de Lisle puisqu'elle daterait de 1787 (et la Marseillaise de 1792). J'ajoute qu'un certain Edelman aurait composé un oratorio du même nom vers 1782, le manuscrit aurait disparu, et Edelman n'aurait pas non plus revendiqué la paternité. (je n'ai pas encore pu déterminer la source de cette dernière affirmation)

Mais on trouve des thèmes similaires chez d'autres compositeurs, je n'en citerai qu'un, Wolfgang Amadeus Mozart, dans le concerto pour piano n°25 qui lui date de 1786... De mon point de vue, je pense qu'il convient de préciser qu'il n'est pas rare dans l'histoire de la musique de voir que les compositeurs se sont inspirés les uns des autres, mais aussi de la culture populaire. C'est ainsi par exemple qu'on peut entendre dans le ballet Casse-Noisette de Piotr Illytch Tchaikovsï des mesures de comptines françaises: Bon voyage M. Dumollet et Cadet Roussel, ou des chants populaires russes dans ses symphonies et concertos. Des mesures de la Marseillaise sont audibles dans l'Ouverture Solenelle 1812 de Tchaikovskï toujours. Il est d'ailleurs loin d'être un cas isolé. Dvorak dans sa sérénade pour cordes Op. 22 (B52), deuxième mouvement utilise un thème de la valse n°2 Op. 64 de Frédéric Chopin. Gustav Mahler avait choqué ses contemporains en transformant le thème de Frère Jacques en marche funèbre pour le 3ème mouvement de sa première symphonie. On peut ainsi continuer à dresser une longue liste d'emprunts mais il faut également comprendre que dans la mécanique d'écriture et de réalisation d'une mélodie il y a des intervalles, des progressions d'accords qui sonnent particulièrement bien, voir qui sont des passages obligés pour satisfaire à des critères esthétiques ou formels. Enfin dernier point qu'il me semble utile de préciser, il n'était pas rare de la part des compositeurs déjà à l'époque de Jean Sébastien Bach de se livrer à des improvisations sur des thèmes qu'on leur donnait. Car au delà de la présence d'un thème dans une oeuvre il faut voir la réalisation qui en est faite.

Aussi pour en revenir à la Marseillaise, il est clair que son thème n'est pas de Rouget de Lisle, et que d'autres avant lui ont utilisé ce thème, mais de la à monter au créneau et hurler au plagiat il y a une différence. Je vais pour ma part essayer de me procurer au plus vite le livre de Arthur Loth afin de voir sil il contient des détails supplémentaires intéressants.

Homéopathie

Tue, 06 Sep 2011 08:02:19 +0000

Ce sujet fait partie de ceux sur lesquels je suis le plus vindicatif. Pas plus tard qu'hier soir je me suis encore retrouvé à exposer mon point de vue sur la question et je me heurte fréquemment à l'incompréhension des gens. Je me suis pris la tête plus d'une fois avec des amis comme de la famille à ce sujet.
Bon, mon point de vue est simple : l'homéopathie n'est pas un médicament, c'est au mieux un placebo.

On va commencer par le commencement. La recherche sur l'homéopathie a commencé à la fin XVIIIè avec les travaux de Samuel Hahnemann. Il a observé qu'en ingérant de l'écorce de cinchona (contenant de la quinine) utilisée pour le traitement de la malaria, il observait les mêmes symptômes que s'il souffrait de la malaria. Il est donc parti du postulat que les traitements devaient être basés sur une principe de similitude et que lesdits traitements devaient provoquer chez un individu sain les mêmes symptômes que la maladie traitée. Après expérimentations, il a donc édicté sa loi des semblables (les semblables se guérissent par les semblables) où l'ingestion d'un médicament provoquant les mêmes symptômes que la maladie stimulerait la force vitale de l'organisme (via les symptômes induits par le médicament) et forcerait l'organisme à se débarrasser de la maladie originale, les symptômes induits disparaissant à l'arrêt du traitement. Il est aussi parti du postulat que si le traitement en grande dose provoquait les symptômes, en doses infimes il les soignerait (loi des infinitésimaux) et que des agitations vigoureuses à chaque étape de la dilution rendait plus puissante la préparation (loi de succussion).
Hahnemann n'a prouvé aucune de ses travaux, ses lois sont basées sur ses seules observations.

Les dilutions sont indiquées par le C précédé d'un nombre, comme on peut le voir sur les tubes de préparations homéopathiques de Boiron par exemple. Il s'agit d'un centésimal (1 dose - goutte - de substance traitante pour 99 doses d'eau), principe de dilution inventé par Hahnemann : 2C nous donnent donc 1 goutte de substance pour 9999 d'eau et ainsi de suite. La dilution courante de 6C équivaut à une goutte de substance pour une préparation de 1000 milliards de gouttes. Selon Hahnemann, plus la dilution est importante (voir plus haut), plus efficace sera le traitement : il préférait donc diluer jusqu'à 30C.
Découverte plus tard, la constante d'Avogadro fixe à environ 6×10²³ le nombre d'entités élémentaires par mole de substance. Bref, un problème se pose vite à partir de 12C : en effet, pour 1 mole de produit original dilué à 12C, il y a 60% de chances qu'une unique molécule se trouve dans la solution finale !
Le très populaire Oscillococcinum est basé une dilution à 200C de foie de canard de barbarie. Le nombre d'atomes estimé dans l'univers est de 10⁸⁰. Bref, pour trouver une unique molécule du produit original, il faudrait la chercher dans 10³²⁰ univers. Je vous laisse seuls juges de ces chiffres.

Plus tard, pour tenter d'expliquer les travaux d'Hahneman, Jacques Benveniste a proposé la théorie de la mémoire de l'eau (provoquée par les vibrations induites par les dilutions vigoureuses). Avec son équipe de l'INSERM, ils ont dilué des anticorps jusqu'à ce qu'il n'en reste plus dans la solution finale et ont annoncé avoir déclenché des réactions de basophiles soumis à cette solution. Le papier fut soumis au journal Nature qui, après mûre réflexion décida de le publier en 1988 muni d'une annonce de précaution de John Maddox,(alors rédacteur en chef). Il organisa en plus la réitération de l'expérience sous l’œil de juges indépendants parmi lesquels se trouvaient Walter Stewart, James Randi et lui-même. Les premiers résultats corroborèrent les observations de Benveniste, mais lorsque les juges décidèrent de réaliser l'expérience à l'aveugle (lors de la première, les chercheurs de l'INSERM savaient dans quels tubes à essai se trouver les échantillons d'anticorps) aucun effet ne fut rapporté. Un article fut donc rédigé par Maddox dans l'édition suivante du journal discréditant la thèse de la mémoire de l'eau. L'article déclencha une véritable bataille d'articles interposés entre Maddox et Benveniste, bataille qui s'étendit jusque dans la presse française (Sciences & Vie notamment pris position contre l'homéopathie). Quelques années plus tard, d'autres papiers furent publiés par Benveniste faisant état de la possibilité de transférer cette mémoire de l'eau par une ligne téléphonique, puis via internet.
De nombreuses équipes tierces ont tenté de reproduire les résultats de toutes ces expériences, sans jamais y parvenir.

L'homéopathie et ses lois sont en violation directe de nombreuses lois de la nature. Aujourd'hui, la majeure partie de la communauté scientifique considère l'homéopathie comme un placebo. Le rejet de l'homéopathie par les scientifiques est considérée par de nombreux défenseurs de l'homéopathie et des médecines alternatives comme une preuve de sa légitimité et de son efficacité.

Si l'homéopathie est un placebo et ne fait donc pas de mal, pourquoi s'en priver ? Parce que c'est un placebo justement (on ne se soigne pas avec des placebos), ainsi qu'une perte de temps et d'argent (le votre ainsi que celui de la sécu). Les risques sont faibles pour des rhumes et autres petites affections , mais pour de plus lourdes maladies, l'homéopathie se révèle dangereuse car elle éloigne des véritables traitements.

Voilà, j'espère avoir exposé clairement la situation. Pour finir, je citerai cette démonstration de Phil Plait :

Citation

If homeopathy works, then obviously the less you use it, the stronger it gets. So the best way to apply homeopathy is to not use it at all.

Et vous ? Y croyez-vous ? L'utilisez-vous ? Avez-vous aussi des proches qui ne jurent que par ça ?

[Souvenez-vous]Prehistorik

Tue, 06 Sep 2011 07:53:52 +0000

Histoire d'animer un peu cette zone, j'ai décidé de poster de temps en temps quelques tests d'anciens jeux. Et pour inaugurer cette nouvelle série, voici Prehistorik.

Prehistorik est un jeu de plateformes sorti sur PC en 1991 par Titus. On y incarne un homme préhistorique ne rêvant que d'une chose : manger. Nous voilà donc équipés d'un gourdin et à nous les joies de la chasse. Au menu : des dinosaures, des oiseaux, des ours, des machins et autres trucs préhistoriques, tous plus hostiles les uns que les autres.

Que le tourisme gastronomique commence!

Le gameplay est relativement simple, mais bougrement efficace. Le pavé fléché sert à se déplacer (gauche/droite), à sauter (haut) et à entrer dans des cavernes (bas). La barre d'espace sert à donner un coup de gourdin. Enfantin, d'autant plus que le personnage répond au doigt et à l'oeil (Ma p'tite soeur parvenait déjà à y jouer à l'age de 5 ans, c'est dire! ).

A table!

Cependant, il ne faut pas se fier aux apparences, Prehistorik est d'une difficulté honorable. Il faudra réussir des sauts précis, taper sur les bestioles avec un bon timing, éviter un nombre de pièges conséquent, remplir une jauge de nourriture (faute de quoi il sera impossible de finir le niveau en cours), le tout en temps limité. La jauge d'énergie diminue vite, les vies partent aussi vite et bien entendu, pas de continues possibles. Au game over, il faut recommencer au début. Bienvenue dans le début des années '90.

Couché, médor!

Et comme si les quatre niveaux remplis d?ennemis et de pièges ne suffisaient pas, Prehistorik dispose de 3 boss assez coriaces. Oui, c'est un jeu relativement court, cependant, il faudra le recommencer un petit paquet de fois avant d'en voir la fin.

La flèche indique un ennemi sur le point de se réveiller.

Le jeu propose quand même quelques petits powerups, comme des vies supplémentaires, un ressort pour mieux sauter, un bouclier ou encore un tomahawk, tellement plus efficace que le gourdin. Ces powerups se récupèrent la plupart du temps en tapant sur un sage indien apparaissant brièvement à certains points précis. Il convient donc d'apprendre correctement où le sage apparait et comment l'atteindre.

Ouh! Qu'il est gros!

La réalisation du jeu est excellente. Les sprites sont jolis et bien animés. On appréciera les petites animations mignones et bourrées d'humour. Les décors sont assez détaillés, ce qui ne gâche rien. Certes, on regrettera que le jeu soit en 320x200, mais il faut garder à l'esprit qu'à sa sortie, Prehistorik pouvait se contenter d'un maigre 386 pour tourner.

Un dinosaure, c'est fort, mais l'appel du ventre est encore plus fort!

Les musiques du jeu sont très sympathiques, elles aussi. Certes, c'est le buzzer du PC qui est mis à contribution, mais ce dernier est très bien employé. Les compositions sont rythmées, mignones et contribuent elles-aussi à l'ambiance loufoque et décalée de Prehistorik.

La musique de ce niveau est tout simplement inoubliable.

18 ans après sa sortie, on peut dire que Prehistorik a très bien vieilli. Le jeu a gardé son charme d'antan, c'est indéniable. Et cerise sur le gâteau, il tourne en natif sous Windows XP, même s'il est possible de le faire tourner sous DOSBox pour bénéficier du son de la carte son et d'un filtrage des graphismes. Un titre indispensable à (re)découvrir impérativement!

Un écran qui fait plaisir à voir. Si si!

[Souvenez-vous]Prince of Persia

Tue, 06 Sep 2011 07:50:05 +0000

Parce que c'est un incontournable et que tout joueur digne de ce nom se doit d'avoir essayé au moins une fois ce jeu, voici :

Pour les cancres du fond (et les chtits nenfants qui sont nés avec un pad de XBox/Playstation entre les doigts), Prince of Persia est un jeu de plateformes sorti autour du début des années '90 dans lequel on incarne un prince qui doit sauver une princesse à qui il ne reste qu'une heure à vivre, suite à un sort du terrible vizir Jaffar. Pour ce faire, Prince (oui, il semblerait que ce soit son nom) doit sortir de la prison où il est enfermé puis gravir tous les étages le séparant de la princesse avant bien sûr d'affronter Jaffar.

Bon ben... au boulot, quoi...

Les lecteurs les plus attentifs soulèveront une petite remarque : pourquoi cet article indique que ce jeu est sorti au début des années '90, alors que le screenshot du titre indique précisément 1990? Et bien tout simplement parce qu'il s'agit d'un screenshot de la version PC, effectivement sortie en 1990. Cependant, Prince of Persia a été porté sur un nombre faramineux de plateformes!

La toute première version est en fait sortie sur Apple II en 1989. Suivirent les ports PC (DOS), Amiga, Atari ST et Amstrad CPC en 1990. 1992 voit apparaitre Prince of Persia sur Macintosh, Game Boy, NES, SuperNES, Game Gear, Master System et MegaCD. Ajoutons qu'une version Megadrive est disponible dès 1993. Et sachez que cette liste n'est même pas exhaustive.

Bref, tout le monde a pu un jour s'essayer à Prince of Persia. Mais pourquoi un tel engouement pour ce titre?

Attention, ça va couper!

La réalisation, d'abord. Les graphismes PC ne sont peut-être pas ce qu'il y a de plus détaillé, mais l'animation fut l'un des arguments de vente du jeu, et pour cause! Les mouvements du prince ont été obtenus en filmant un "assistant" (le frère du développeur, en fait), et en utilisant les images de la vidéo pour élaborer la palette de mouvements du personnage. Il en résulte une animation fluide et crédible. Du jamais vu dans un jeu, à l'époque. Passons par contre sur le côté sonore, qui n'était pas spécialement glorieux sur PC au début des années '90. Notons quand même que le jeu exploitait plutôt efficacement le speaker du PC.

En garde!

La jouabilité, ensuite. Le pavé fléché et la touche shift (du moins sur PC) servent à toutes les actions, ce qui est plutôt pratique, d'autant plus que les contrôles répondent bien. Malgré le peu de touches, des actions, il y en a un paquet. Courir, marcher, se mettre à quatre pattes, sauter, se rattraper sur des corniches, se battre, boire des potions ou encore activer des mécanismes pour ouvrir des portes et autres grilles, voilà les activités que devra sans relâche effectuer notre personnage pendant une heure particulièrement intense.

Alors, Neo... heu.. Prince? La fiole bleue ou la fiole rouge?

Car oui, le jeu se déroule en temps réel. Il faut atteindre la princesse avant qu'elle ne meure et elle mourra très exactement dans une heure. Le jeu rappelle d'ailleurs sadiquement le temps restant au début de chaque niveau, ce qui rajoute un certain stress au joueur, d'autant plus que le donjon de Prince of Persia est loin d'être une promenade de santé. Des précipices bien profonds, des pièges aussi vicieux que mortels, des gardes peu commodes sont autant d'embûches que devra surpasser le héros. Mais le développeur est gentil : si les vies sont limitées, les continues en revanche sont infinis... le joueur peut donc recommencer autant de fois qu'il veut... à partir du début du niveau (aïe)... avec le compte à rebours qui continue implacablement (re-aïe). Autant dire que si le jeu peut (et doit) se finir en moins d'une heure, il faudra recommencer un certain nombre de fois avant d'en voir la fin.

@#! J'ai encore glissé!

Prince of Persia est un jeu difficile qui demande de bons réflexes et une connaissance parfaite des niveaux. Les graphismes sont certes moyens sur PC (les versions Megadrive et SNES étant largement plus belles), mais l'animation des sprites est exemplaire, même encore de nos jours. Prince of Persia est un jeu qui n'a pas vieilli. On peut encore aujourd'hui sortir DOSBox (même si le jeu tourne plutôt bien sous Windows) et se lancer dans une partie toujours aussi intense, sans réellement sentir le poids des années. Un classique de chez classique qui doit faire partie de toute collection respectable.

Non non, ce n'est pas ce que vous croyez, je... heu... j'ai perdu une lentille!

A noter que la suite, Prince of Persia 2 : The Shadow and the Flame est tout aussi bon et a tout aussi bien cartonné. A posséder obligatoirement, aussi...

[Souvenez-vous]Rick Dangerous

Tue, 06 Sep 2011 07:48:45 +0000

Hop! Suite à la demande de Loone, voici :

Rick Dangerous est un jeu de plateforme créé par Core Design et édité par firebird en 1989. On y incarne Rick, un aventurier à la recherche d'une ancienne tribu d'amazonie, et dont l'avion s'écrase, comme nous l'apprend l'introduction du jeu :

La page d'introduction passée, on se retrouve dans une caverne... avec un gros rocher qui nous poursuit après n'avoir effectué qu'un seul pas!

Le ton est donné, et à deux niveaux : d'une part, on reconnait des références à indiana jones, et d'autre part... les niveaux de Rick Dangerous sont truffés de pièges mortels! Rochers, pics, flèches, sauts dans le vide sont présents en quantités industrielles dans les 4 mondes composant ce jeu... sans compter les ennemis. Autant dire que les 6 vies de départ disparaissent très vite.

Rick n'est toutefois pas désarmé face aux hordes de méchants pas beaux. Il dispose en effet d'un stick, d'un pistolet et de bâtons de dynamite. La mauvaise nouvelle, c'est que le pistolet n'est qu'un six-coups et que Rick ne dispose que de six bâtons de dynamite. Il va falloir les utiliser avec sagesse.

Comme le laisse penser ce petit descriptif, Rick Dangerous mérite bien sa réputation de jeu difficile. Rien à voir avec les promenades de santé actuelles. On a ici un level design sadique avec souvent des sauts dans l'inconnu, des pièges invisibles et autres passages au timing serré. Pour avancer, pas de secret : il faut y aller au trial & error afin d'apprendre le jeu par coeur. Oh! Et avoir de bons réflexes peut aider, aussi.

La maniabilité n'est pas évidente, au prime abord. Les possesseurs de joysticks devront faire attention pour leurs sauts, cette action ayant été mappée sur la direction "haut". Pour utiliser les armes, il faut appuyer sur le bouton d'action associé à une direction. Pas évident à sortir, dans le feu de l'action. Les joueurs au clavier ne sont pas mieux lottis : au clavier, il faut se déplacer avec W et X, sauter avec O et se baisser avec K, la barre d'espace ayant été affectée à la touche action.

Un écran que l'on voit très souvent

Côté réalisation, le jeu a été porté sur un grand nombre de machines. Voici un petit comparatif en images (laissées à leur résolution d'origine, dans la mesure du possible) :

ZX Spectrum :

Amstrad CPC :

Commodore 64 :

Atari ST :

PC (DOS, version EGA) :

Amiga :

Sans être d'une beauté incroyable, les versions ZX Sinclair, CPC et C64 proposent tout de même des graphismes... reconnaissables. La version PC se situe un cran au dessus, avec des sprites assez sympathiques. La version Atari ST est plutôt jolie, mais il faut avouer que c'est sur Amiga qu'on en prend plein la vue... et les oreilles. Non seulement la version Amiga propose les graphismes les plus fins, mais en plus, elle nous gratifie d?effets sonores bien agréables. Clairement LA version à posséder, à l'époque.

Rick Dangerous a été probablement un grand succès à sa sortie. Même si on n'y avait pas joué, il était impossible de ne jamais avoir entendu parler de ce titre. Par la suite, un Rick Dangerous II a vu le jour, en 1990. Aujourd?hui encore, vingt ans après sa sortie originale, Rick Dangerous continue à être pratiqué par beaucoup de joueurs, via de nombreux clones et remakes, et sur de nombreuses plateformes... Définitivement un incontournable.

[Souvenez-vous]Lemmings

Tue, 06 Sep 2011 07:46:15 +0000

Aaaah Lemmings! Qui n'a jamais entendu parler de ce jeu? Qui n'a jamais essayé au moins quelques niveaux?
Pour les petits enfants et ceux qui ont passé ces 20 dernières années dans une grotte au fin fond d'une jungle perdue au milieu de nulle part, petit cours de rattrapage.

Lemmings est un jeu développé par DMA Design et édité par Psygnosis, sorti en 1991. Dans ce jeu, le but est simple : des lemmings, sont largués dans un niveau rempli de pièges mortels, à vous de faire en sorte qu'une certaine quantité de ces créatures aussi imbéciles que suicidaires atteignent la sortie... menant au niveau suivant...

L'écran de départ est mignon et permet de sélectionner quelques options basiques, comme la difficulté, la présence d'effets sonores ou encore le nombre de joueurs.

Un écran de titre qui fait aussi office d'écran d'options

Le joueur ne contrôle pas directement les lemmings, mais doit assigner un rôle à certains d'entre eux. Il existe 8 jobs : le climber peut escalader des parois verticales, le floater possède un parapluie pour amortir une chute d'un point élevé, le blocker empêche ses congénères de passer, le bomber explose au bout de 5 secondes, le builder construit des escaliers de 12 marches permettant ainsi de traverser des fossés ou de franchir des obstacles, le basher fait des trous horizontaux tandis que le digger fore verticalement. Enfin, le miner s'occupera de creuser en diagonale.

Wo!Ho! Voilà le début du casse-tête... heu... de l'aventure, pardon

On notera la présence d'une minimap présentant le niveau dans son intégralité et permettant de s'y déplacer rapidement. Voilà l'arsenal dont on dispose pour résoudre les 120 puzzles que propose le jeu.

Chaque tableau est précédé d'un petit récapitulatif indiquant les conditions de victoire.

Votre mission, si vous l'acceptez, et de toutes façons vous n'avez pas le choix...

Vous vous en doutez, une fois qu'il ne reste plus de bestioles à sauver, soit parce que vous avez réussi à les mener à bon port, soit parce que le pire s'est produit, un nouveau petit récapitulatif vous offre un petit debriefing... oh! Et aussi un password pour se rendre rapidement au niveau suivant. Parce que non, en 1991, les sauvegardes dans les jeux, ça n'était pas courant. Les mots de passe, par contre...

Hourra! Plus que 119 niveaux!

Lemmings n'est pas un jeu facile. Trouver la bonne séquence d'actions que doivent accomplir les lemmings n'est déjà pas une mince affaire, mais en donner correctement l'ordre n'est pas de tout repos non plus. Il faut veiller à ce que les lemmings ne tombent pas de trop haut, ne se noient pas, ne soient pas pris dans des pièges sadiques, etc. Oh! Et bien entendu, le temps et le nombre d'actions assignables au lemmings sont limités! Bref, de quoi se creuser les méninges pendant de longues heures.

Côté réalisation, tout dépend de la plateforme, car oui, Lemmings a été porté sur un grand nombre de machines. En plus de la version Amiga, dont les screenshots illustrent cet article depuis le début, on a pu noter des versions:

DOS (PC)

Atari ST

Amstrad CPC

ZX Spectrum

Les consoles de salon ont eu aussi droit à leur version!

NES

Master System

MegaDrive

SuperNES

Les consoles portables n'ont bien sûr pas été en reste.

Game Boy

Game Gear

Lynx

Bref, au début des années 1990, tout le monde a été servi.

Côté micro-ordinateurs, la version Amiga tire son épingle du jeu, avec sa plus grande résolution (640x400, le luxe!) et sa musique au format MOD, mais la version Atari ST n'en est pas loin. La version PC DOS est aussi appréciable, malgré l'absence de l'intro et de la musique.

Sur ces trois versions, les terrains restent agréablement détaillés et les sprites des lemmings, bien qu'un peu petits sont bien animés. On regrettera toutefois l'absence de background, même si justement, cette absence permet de bien lire l'action.

Les version ZX Spectrum et Amstrad CPC sont clairement moins enthousiasmantes, avec des graphismes brouillons et une lenteur exaspérante, surtout sur CPC. Cependant, ces versions ont le mérite d'exister et les possesseurs de ces machines ont donc pu profiter quand même du monument qu'est Lemmings.

Sur console de salon, le jeu est loin d'être moche sur 8bits, et est franchement joli sur 16 bits. De très bons ports, même si le contrôle du curseur au pad et la vue limitée du tableau (notamment sur Megadrive et SuperNES) ne sont pas vraiment l'idéal pour les niveaux les plus difficiles du jeu.

Les versions portables souffrent de l'écran réduit et de la faible résolution, sans compter encore une fois la maniabilité du curseur au pad. D'un autre côté, le plaisir de profiter du jeu un peu partout fait pardonner beaucoup de choses.

Aujourd'hui encore, Lemmings est encore porté sur des machines contemporaines, comme les playstation (1, 2 et portable), ou même des téléphones, signe que ce jeu a vraiment marqué son époque et continue autant à plaire à son public. Néanmoins, les nostalgiques préfèreront peut-être rejouer de temps en temps aux anciennes versions. Le port DOS passant mal sous DOSBox, mieux vaudra s'adonner plutôt à la version Amiga, toujours aussi jolie, et toujours aussi agréable.

[Souvenez-vous]Little Big Adventure

Tue, 06 Sep 2011 07:44:55 +0000

Little Big Adventure (LBA pour les intimes) est un jeu d'aventure en 3D isométrique sorti en 1994 par Adeline Software. Difficile de ne pas avoir entendu parler de ce jeu, ne serait-ce parce que LBA partage le même créateur et le même style de jeu qu'Alone in the Dark, autre titre mythique.

Difficile aussi d'être passé à côté de LBA, dans la mesure où ce jeu est sorti en version disquette et CD, cette dernière ayant été distribuée en bundle avec bon nombre de lecteurs CD-ROM en 1995. A noter qu'une version playstation a aussi vu le jour.

Little Big Adventure, c'est l'histoire de Twinsen, un citoyen d'une planète, Twinsun, tombée sous le joug d'un tyrant, le terrible Dr Funfrock. Le jeu débute sur l'emprisonnement de Twinsen, ce dernier ayant rêvé de la fin du monde. Première mission : s'échapper de la prison. Cependant, cette évasion provoquera cette fois-ci l'enlèvement de Zoé, son amie. Et c'est alors que l'histoire débute vraiment : Twinsen aura désormais la lourde tâche de sauver Zoé des griffes de Funfrock... oh! et de sauver le monde, par la même occasion.

Detenu Twinsen! Cessez de vous agiter!

Si le scénario reste assez conventionnel, bien que bourré d'humour, on appréciera particulièrement les efforts fournis pour créer un monde relativement cohérent et, surtout, mignon. Certes, LBA se joue un peu comme un Alone in the Dark, mais cette fois, le public visé est plus jeune. Exit l'horreur et bonjour à un monde coloré et peuplé de personnages à l'apparence de petits lapins et autres éléphants.

Où aller pour commencer une aventure? A la taverne, bien sûr!

Les graphismes étaient impressionnants pour l'époque. Les personnages et objets mobiles étaient en 3D et se mariaient très bien aux décors d'une 2D d'une finesse remarquable, même pour du 640x480. Certes, de nos jours, ce ne sont plus les quelques polygones colorés constituant les modèles ni les ombrages de gouraud qui vont impressionner les foules, mais l'esthétique du titre n'a absolument pas vieilli. Les personnages sont toujours aussi attachants et l'ambiance est toujours aussi prenante.

Sauver le monde? Après mon petit footing dans le parc!

Apparition du CD-ROM oblige, la version CD de LBA bénéficie de petites cinématiques en images de synthèse 3D relativement simples mais pleines de personnalité. Les musiques sont magnifiques, et, ce qui ne gâche rien, sont au format CD-Audio. Il est en effet possible de placer le CD dans une platine pour lire les musiques en dehors du jeu. La version CD propose aussi des dialogues parlés de bonne facture.

La version disquettes se voit amputé des voix, ses musiques sont au format MIDI et les cinématiques sont remplacés par des slideshows montrant l'essentiel. Pour le reste, les versions disquette et CD sont identiques.

La présentation de LBA est encore aujourd'hui remplie de charme. Les graphismes sont toujours aussi fins, colorés, les musiques sont toujours aussi belles, le moins qu'on puisse dire, c'est que LBA n'a pas pris la moindre ride.

Quittons cette île, et plus vite que ça!

Côté gameplay, les déplacements relatifs (haut pour avancer, bas pour reculer, gauche/droite pour faire pivoter le personnage, le tout dans des décors fixes) ont toujours été déroutants (même si on les retrouve dans une tripotée d'autres titres comme au moins 3 Alone in the Dark et 4 Resident Evil pour ne citer que les plus connus) et demandent encore de nos jours un petit temps d'adaptation. La gestion des "humeurs" de Twinsen ("normal" pour marcher et chercher, "sportif" pour courir et sauter, "aggressif" pour se battre et "discret" pour s'infiltrer) demande aussi un petit apprentissage pour être utilisée efficacement, mais rien de bien méchant. Après quelques minutes, une fois les rouages du jeu compris, le joueur peut intéragir avec le monde de Twinsun assez aisément.

Le HUD n'apparait qu'avec la sélection des humeurs... ce qui n'est pas une mauvaise chose

On déplorera toujours quelques petits problèmes de collisions, mais ces derniers restent tolérables, surtout pour un titre de 1994!

Little Big Adventure est probablement l'un des meilleurs jeux jamais créés, avec une présentation toujours au top plus de 15 ans après la sortie du jeu, une histoire somme toute sympathique et un gameplay satisfaisant. A posséder impérativement!

[Souvenez-vous]Flashback : The Quest for Identity

Tue, 06 Sep 2011 07:42:40 +0000

Flashback est un jeu de plateforme sorti en 1992. A l'époque, le genre comptait déjà un assez grand nombre de titres et il fallait bien quelque chose de spécial pour sortir du lot. Pour cela, les créateurs de flashback ont décidé de s'axer sur une idée de "film". Et ce concept est utilisé dès le titre, tiré d'un terme cinématographique.

Tout comme un film, flashback dispose d'un scénario plutôt sympathique. Dans un futur pas si lointain, Conrad B. Hart, un étudiant en fin de thèse, découvre par hasard l'existence d'extra-terrestres. Ces derniers décident de le réduire au silence, mais Conrad parvient à leur échapper... avant que son véhicule soit abattu. Notre héros se retrouve alors à la surface de Titan (satellite de Saturne que les Hommes ont terraformé au cours du XXIème siècle), amnésique, et avec une armée extra-terrestre à ses trousses.

Une intro vraiment cool.

Il est à noter que plusieurs pages du manuel sont consacrées à un développement du background du jeu. Certes, il n'est pas indispensable de les lire, mais cela favorise l'immersion dans l'univers de Flashback.

Pendant la partie, l'histoire est racontée via des cutscenes assez jolies. Celles-ci sont assez nombreuses, mais suffisamment courtes pour ne pas trop couper l'action.

Mais... qui suis-je?

L'un des arguments de vente pour Flashback, à l'époque, était aussi sa réalisation "digne d'un film". En effet, en dehors des cutscenes, le jeu bénéficiait de décors variés et très détaillés, de personnages réussis et surtout, surtout! d'une animation incroyable. Les mouvements de Conrad étaient nombreux et très bien décomposés. Peut-être que certains se souviennent encore du fameux "Flashback tourne à 24 images par seconde! Comme dans les films!", affirmation que l'on croit volontiers à la vue de la fluidité du jeu.

Ne restons pas dans cette jungle...

D'un point de vue sonore, rien à redire. Les musiques sont plutôt bien orchestrées (même pour de simples partitions MIDI jouées tant bien que mal par les sound blaster et autres adlib de l'époque) et les bruitages largement suffisants pour immerger le joueur (enfin... quand on arrive à les obtenir... mémoire conventionnelle, drivers audio sous DOS, tout ça tout ça...).

Côté gameplay, les habitués de Prince of Persia ne seront pas trop dépaysés, à condition de passer deux petites minutes pour s'habituer aux commandes. Conrad marche par défaut, mais une pression sur la touche shift en même temps qu'une flèche de direction le fera courir. Sauter en courant permettra un saut assez long, alors que pour un petit saut en avant, le joueur devra penser que la combinaison de touches à effectuer est shift+haut, ce qui se révèle déroutant lorsqu'on est habitué à presser haut+direction. La barre d'espace permet de dégainer l'arme de Conrad et la touche shift permet alors de tirer. Il n'est donc pas possible de sauter avec une arme à la main.

Tout compte fait, la jungle c'était pas si mal, vu ce qui m'attend ici...

Flasback a beau être un titre d'action, il propose quelques petits puzzles simples au joueur. Il faudra alors fouiller les niveaux pour trouver des objets à utiliser à bon escient pour avancer. Chose peu commune pour un jeu de l'époque, il est possible d'aborder les combats de plusieurs façons! Dans certains cas, on peut utiliser le terrain pour surprendre l'ennemi, mais il est aussi possible d'attirer son attention ailleurs en utilisant une pierre afin de l'abattre dans le dos.

La difficulté est plutôt bien dosée. On a droit à 3 modes de difficultés. Chaque niveau (à chaque difficulté) se voit attribuer un mot de passe afin d'y retourner après avoir quitté le jeu. A cela s'ajoute des points de sauvegarde présents à peu près au milieu de chaque niveau et/ou avant un passage ardu.

Ok... soit j'en suis à la moitié du niveau, soit je vais galérer... quoi que les deux réponses en même temps sont valables...

Petit détail amusant : le concept de "vies" et de "1-up" a été plutôt bien intégré dans Flashback. Si une chute trop haute ou un piège peuvent tuer Conrad d'un seul coup, ce dernier dispose d'un petit bouclier pour encaisser les tirs ennemis et les explosions. Ce bouclier ne possède que 4 charges (ce que l'on peut assimiler aux vies dans les autres jeux du genre). Il est cependant possible de recharger intégralement ce bouclier en utilisant les bornes prévues à cet effet. Le fait de n'avoir aucun HUD en cours de jeu renforce encore ce concept de "film", en fin de compte.

Au final, même 18 ans après sa sortie, Flashback est toujours aussi bon. La maniabilité est correcte, l'animation toujours aussi pêchue et l'action toujours aussi captivante.

Au passage, les possesseurs du jeu se souviennent peut-être encore du dispositif anti-copie présent sur la version PC :

Avant de commencer à jouer, il fallait consulter le manuel pour trouver le bon symbole et noter le bon code. Compte tenu des protections présentes sur les titres actuels, ce dispositif paraitrait bénin, d'autant plus que l'on a une bonne excuse pour l'ouvrir, ce @#! manuel.

Pour terminer, un mot sur les différents portages du jeu. Flashback a été développé simultanément sur Megadrive, Amiga et PC (DOS). Ceci explique probablement que les versions Megadrive et PC soient identiques (jusqu'à la résolution : 256x224! ). Le jeu fait aussi partie de la ludothèque de la SuperNES, même si sur cette dernière, les curscenes semblent légèrement ramer.
Plus tard sont sorties les versions 3DO, CD-i, MegaCD et PC-CDRom. Les versions CD proposent des cinématiques entièrement refaites. On a alors droit à des FMV en image de synthèse 3D à la place des cutscenes 2D de la version disquette/cartouche.
Si pour l'époque, des FMV en 3D étaient à la mode, avec le recul, on constate que le côté esthétique en pâtit dans la mesure où l'aspect graphique global du titre perd en homogénéité.

On notera la présence de voix digitalisées dans la version MegaCD, ce qui peut éventuellement en faire la version de choix.

Enfin, il existe un nouveau moteur fan-made, intitulé Reminiscence permettant de jouer à Flashback nativement sous XP et avec des graphismes légèrement filtrés. Il est par contre indispensable de posséder les données du jeu (ainsi que les musiques de la version amiga).

[Souvenez-vous]Fury of the Furries

Tue, 06 Sep 2011 07:33:23 +0000

C'est en 1994 que Mindscape édite sur PC, mac et Amiga CD32 Fury of the Furies, un petit jeu de tableaux développé par les français de Kalisto. Le joueur y incarne une équipe de quatre petites boules de poils, les tinies, disposant de pouvoirs variés. Le tiny jaune maitrise le feu et peut donc lancer à sa guise des boules enflammées. Le tiny vert possède une corde, dont il peut se servir pour s'accrocher aux plafonds tel un spidertiny ou encore tracter des objets. Le tiny rouge possède un appétit insatiable et peut manger des éléments de certains niveaux. Enfin, le tiny bleu possède un attribut aquatique, lui permettant ainsi de lancer des bulles d'air sous l'eau dans le but de neutraliser les ennemis ou encore de faire monter le niveau d'eau dans certains passages.

Une équipe de choc.

Comme on peut s'en douter, les tableaux composant le jeu (9 environnements contenant chacun une dizaine de niveaux) font la part belle à la reflexion. Il faut en effet utiliser le bon tiny au bon endroit pour avancer. Il faudra aussi une bonne dose d'adresse pour éviter les pièges mortels et autres ennemis tout aussi mortels jonchant les tableaux.

Sklumph, le monde des tinies

Comme dans tout jeu des années '90 qui se respecte, la difficulté de FotF est assez corsée. Il faut bien entendu choisir judicieusement son tiny, éviter les pièges, mais aussi maitriser l'inertie des personnages. En effet, les tinies ont tendance à rebondir contre les murs et sur le sol. Si cette propriété permet de faire de plus gros sauts, elle rend aussi les boules de poils moins dirigeables. Rajoutons à cela le fait que les tinies ne s'arrêtent pas net et que globalement les mouvements sont rapides et nous obtenons une prise en main très délicate. Il faut toutefois nuancer ce point : si la "physique" des personnages n'est pas évidente à maitriser, les contrôles répondent plutôt bien. Oh! Et n'oublions pas que le temps pour parcourir les tableaux est limité! Il n'est bien entendu pas question de sauvegarder à volonté et il n'y a pas de continues. Il faudra donc se contenter de 5 vies (hors bonus) et de recommencer tout un tableau du début en cas de mort subite. Mais les développeurs ont été magnanimes : le jeu sauvegarde automatiquement tous les 5 niveaux, c'est déjà ça...

Une façon assez amusante d'apprendre que l'on a perdu

La réalisation du jeu est franchement réussie. Les graphismes, bien qu'en 320x200 seulement, fourmillent de détails, les sprites sont bien animés et comme si cela ne suffisait pas, le jeu nous gratifie souvent d'artworks particulièrement agréables à regarder. La partie sonore n'en est pas moins remarquable. Les musiques, des modules composés par le génial Elmobo, sont très entrainantes et donnent une ambiance sympathique au jeu. N'oublions pas les divers effets sonores : d'authentiques échantillons de bruitages et autres petits cris. Bref, du tout bon.

Ah... ces fameux vers des sables...

Pour terminer, un petit mot sur l'humour parsemant ce titre. Le manuel regorge de petites plaisanteries gentillettes ("le tiny est détruit [...] s'il dit des gros mots"). L'histoire en elle même est assez délirante. Il s'agit de petits tinies rebelles ayant volé une vaisseau spatial pour conquérir la Terre. A leur retour sur leur planète natale, Sklumph, et après leur cuisant échec, ces tinies s'aperçoivent que leur roi s'est fait kidnapper par un méchant tiny paranoïaque qui transforme leurs congénères en bestioles hostiles. voilà un scénario qui colle bien à l'aspect cartoon du jeu. A noter aussi une foultitude de références à divers films / livres, comme Indiana Jones, Star Wars ou encore Dune (il est possible de choisir le fremen comme langue du jeu!).

Mesdames et messieurs, voici... LE MECHANT TINY!

Au final, Fury of the Furies est un jeu mignon, très amusant, très bien réalisé mais aussi assez difficile. Du bon sur toute la ligne, d'autant plus que ce jeu est toujours aussi prenant 16 ans après sa sortie.

Marvel: Les grandes sagas

Tue, 06 Sep 2011 07:32:07 +0000

Pour marquer la sortie prochaine du film Thor et l’arrivée cet été de Captain America, Panini France réédite en kiosques une série de récits centrés sur les héros Marvel adaptés au ciné.

Dix volumes de 144 pages sont programmés, à raison de deux par mois. Par ailleurs chaque volume sera accompagné d’un fascicule de 24 pages. Il s’agit en fait du découpage en 10 parties de Marvels par Kurt Busiek et Alex Ross.

Le premier numéro est déjà en kiosque à l’heure où j’écris ces lignes, proposé au prix de départ de 4,95€. Le suivant, Thor, est prévu pour le 26 avril à 6,95€ et Iron Man pour le 15 mai 2011. Si on en croit certains sites marchands, les suivants devraient avoisiner les 8,5O€.

La liste des dix volumes est la suivante :

Spiderman par J. Michael Straczynski/John Romita Jr

Il s’agit de l’arc Happy Birthday en 3 épisodes où Spidey remonte le temps pour affronter ses ennemis intimes, agrémentés de récits autoclusifs scénarisés et dessinés par d’autres auteurs (Mark Waid, Alberti Mario, …)

Thor par Dan Jurgens et John Romita Jr

Run de Jurgens et Romita paru entre juillet et décembre 1998 et relatant la (nouvelle) résurrection du dieu du tonnerre. Dommage qu’il s’agisse d’un début d’histoire et que ceux qui voudraient poursuivre aient à trouver la suite en occasion.

Iron Man – Extremis par Warren Ellis et Adi Granov

Il s’agit de la série Extremis (conclue en 6 partie) de Warren Ellis et Andi Granov, réécrivant une nouvelle fois les origines (maintenant actuelles) de Tony Stark. Une série à lire ne serait-ce que pour sur le nom de Warren Ellis, qui a par la suite travaillé sur Ultimate Iron Man – Armor Wars (paru en France en deux fascicules en juillet 2006 et octobre 2010). Quant à Andi Granov, on rappellera juste qu’il a designé les armures des films ciné. Autant dire que les auteurs connaissent leur sujet.

X-Men – Genèse mortelle (Deadly Genesis) par Ed Brubacker et Trevor Hairsine

Cette mini série de 6 épisodes (parue entre janvier et juillet 2006) se situe après House of M et narre la recherche de Xavier par ses élèves mutants. Pas le meilleur des mutants, mais une très bonne série signée quand même par Ed Brubaker.

Wolverine Evolution par Jeph Loeb et Simone Bianchi

Peut-être la moins bonne surprise du lot. Un run scénarisé par Loeb donc basique et plein de bagarre où le mutant griffu se castagne avec Sabretooth.

Hulk - Le retour du monstre (Return of the monster) par Bruce Jones et John Romita Jr

Série aux premiers numéros du relancement de la série sous le titre Incredible Hulk Vol. 1 : Return of the Monster, parue outre atlantique entre janvier et juin 2002 et en France en partie dans la revue Hulk, dans un 100% Marvel et dans la collection Monster Edition.

Captain America par Mark Waid et Andy Kubert

Il s’agit de la série American Nightmare – Nuclear Dawn (Cauchemar Américain), parue aux États Unis en décembre 1998 et en France dans la revue Marvel Top de Janvier 2000. Une très bonne histoire, bien qu’ancienne, ficelée par Waid et ciselée Kubert (1602, Ultimate Iron Man, Batman).

Daredevil par Frank Miller et David Mazzuchelli

LA bonne surprise du lot. L’album à acheter impérativement. Il s’agit ni plus ni moins que de l’une des meilleures histoires de DD, voire la meilleure histoire jamais écrite pour le justicier aveugle. Intitulée Renaissance, il s’agit du Year One offert à DD par Frank Miller et David Mazuchelli, responsables du nouveau départ de Batman (Year One). Cette histoire a d’abord été massacrée par Lug dans Strange (censurée, découpée, remontée, mal traduite) puis rééditée par Bethy dans une édition aujourd’hui introuvable. A acheter les yeux fermés et à ranger soigneusement sous plastique pour les siècles à venir.

Les Vengeurs par Kurt Busiek et George Perez

Une histoire ancienne mais très plaisante des Vengeurs opposant l’équipe à Ultron, parue sous le titre initial Ultron Unlimited en novembre 1999 (4 parties) et en France dans le magazine Iron Man, en 2000.

Fantastic Four par Mark Waid et Mike Wieringo

Panini surprend agréablement en rééditant une série des FF réalisée par les deux auteurs qui ont permis de relancer et de sauver le groupe: Impensable (Unthikable). Fatalis revient (encore et toujours) mais cette fois, il s’attaque aux fondations de la famille Richards. Un arc sombre qui démontre une nouvelle fois le talent de Waid.

Au final, que penser de cette collection Marvel Les Grandes Sagas? A priori que du bien : elle semble plus homogène que la collection précédente sortie en kiosque (Les indispensables de Marvel qui mélangeait les groupes, les héros et mêmes les univers classiques et Ultimate), et les choix opérés semblent plus que judicieux. L’éditeur a ressorti des séries anciennes mais d’excellente facture, allant du moyen (Wolverine) à l’indispensable (Daredevil).
On peut toutefois regretter l’omniprésence de Mark Waid et de Romita Jr (tant pis pour les détracteurs du dessinateur) et le faux cadeau de Marvels 1, qui obligera les complétistes à acheter toute la série (l’album complet est toujours disponible en librairie cela dit).

Reste quelques petits points à éclaircir : quid de la qualité des livres (papier, impression, traduction) ? Et tous les titres paraitront-ils effectivement en kiosque ou faudra-t-il passer par un abonnement. A voir.

En ce qui me concerne, je vais tenter le coup avec le Spiderman (moins de 5€ pour une 144 pages cartonné ça ne se refuse pas) et si l’essai est concluant, je pense acheter le reste de la collection (même si je connais certaines des histoires mais ne les possède pas en recueil et si je vais me retrouver avec un doublon. Mais quel doublon : DD par Miller !!).

PS: Retrouvez cet article et les images qui vont bien quelque part par ici

[Cinéma] Tintin

Mon, 05 Sep 2011 09:53:26 +0000

Le premier volet de la trilogie de Steven Spielberg (réal) et Peter Jackson (prod) a enfin une affiche et une bande annonce !

Après les premières photos publiées par Empire il y a quelque smois (http://www.empireonl...y.asp?nid=29355) on a enfin quelque chose à se mettre sous la dent.
Celui-ci mélange les histoires du Secret de la Licorne, du Trésor de Rackham Le Rouge et plus surprenant, du Crabe au Pinces d'Or. Mais cette entorse ne me choque pas plus que ça pour introduire correctement le Capitaine.
Le Secret de la Licorne sortira en 3D à la fin de l'année chez nous, vraisemblablement le 26 octobre. Pour rappel, la trilogie réunit Jamie Bell (Tintin), Andy Serkis (Capitaine Haddock), Simon Pegg et Nick Frost (Dupont & Dupond). Daniel Craig interprète Rackham Le Rouge dans cet opus et Gad Elmaleh sera Omar Ben Salaad.

Sans plus attendre :

[Cinéma] The Hobbit

Mon, 05 Sep 2011 09:52:31 +0000

Après de longues tractations (de l'attribution des droits jusqu'au lieu de tournage), le projet d'adaptation de l’œuvre de Tolkien a enfin pris forme en fin d'année dernière et le tournage a commencé en mars dernier. Il sera découpé en deux volets, nommés respectivement An Unexpected Journey (http://www.imdb.com/title/tt0903624/) et There and Back Again (http://www.imdb.com/title/tt1170358/). Le casting s'est dévoilé durant les mois passés et quelques clichés et photos promotionnelles sont apparues sur le net, les personnages de The Lord of the Rings rempilant pour ces 2 opus (même Orlando Bloom qui sort d'on ne sait où). Je vous montre donc les plus intéressants, les nains et Bilbo (Martin Freeeman) :

On a le droit à des mises à jour fréquentes sur l'avancement du projet, pour le moment au nombre de 3 :

Et Peter interagit aussi fortement avec la communauté sur Facebook :
http://www.facebook....ksonNZ?sk=notes

D'un point de vue technique, le projet se démarque des autres : il sera bien évidemment tourné en 3D, mais surtout à 48fps ! Les caméras utilisées sont les fameuses Red Epic, au nombre de 30.

Pour "l'instant mème", une photo de Sir McKellen s'est même permis de bien faire parler d'elle il y a quelques mois :

Sortie probable du premier opus dans nos contrées : le 12 ou 19 décembre 2012.

Nintendo Wii U

Mon, 05 Sep 2011 09:00:25 +0000

Nintendo a annoncé lors de l'E3 sa nouvelle console.

Wii U? Heu....

La Wii U, puisque c'est son nom, se présente sous la forme d'un boitier, assez proche de la Wii, aux formes plus arrondies mais apparemment tout aussi compacte.
Elle marque surtout l'entrée de Nintendo dans le monde du jeu "HD", chose que, jusqu'à maintenant, Nintendo ne souhaitait pas, privilégiant ainsi le jeu et l'interaction à la puissance brute.
Celle-ci permet d'afficher des images d'une résolution allant de 480i à 1080p et propose des sorties HDMI, composite et s-video.

Au niveau stockage, la console possède une mémoire flash interne (sans en connaître la quantité), que l'on pourra étendre grace à une carte SD ou un disque USB externe branché sur l'un des 4 ports USB 2.0 disposnibles.
Nintendo revient à ses amours pour le support des jeux, en utilisant un disque optique haute-densité propriétaire. Exit donc, à priori, la lecture de blu-ray.

Néanmoins, les caractéristiques techniques sont floues. Tout au plus, on sait qu'elle est animée par un processeur IBM multi-cores, mais sans plus de précisions.
Les rumeurs parlent d'une puissance d'un même niveau que la PS3 et la Xbox360.

Elle peut utiliser les wiimotes de la Wii et permet la rétro-compatibilité avec les jeux Wii (la gamecube n'est pas supportée, par contre).

Si on reste là, on pourrait se dire que l'on assiste encore à une simple mise à jour de la console, mais c'était sans compter sur l'imagination débordante de Nintendo pour nous surprendre.
Et c'est là qu'entre en jeu la nouvelle manette associée à la Wii U.

Une tablette? Une manette? Une mablette?

Ce nouveau contrôleur se présente sous la forme d'une tablette au format 16:9, avec un écran tactile résistif, non multi-touch, d'une taille de 6.2 pouces.
Autour de cet écran se trouvent 2 pads analogiques, identiques à celui que l'on peut trouver sur la 3DS, un d-pad, 4 boutons a/b/x/y, 2 boutons L/R sur la tranche et 2 gachettes situées sous l'accessoire.
Elle inclut aussi un gyroscope, un accèléromètre, un kit vibration, un caméra, un micro, 2 hauts-parleur et un stylet.

A partir de là, c'est la circonspection... Comment Nintendo veut-elle nous faire utiliser cet appareil?

Et bien, tout d'abord, un usage non-ludique. De ce que j'ai retenu, on peut s'en servir pour :
- Dessiner en utilisant le stylet. Le dessin dans se trouve afficher sur la TV
- Zoomer sur une partie d'un site web affiché par la console
- Naviguer sur le web
- Passer des appels vidéo
- etc.

Sur l'aspect ludique maintenant, on peut :
- Jouer directement sur l'écran sans passer par la TV, le contrôleur faisant quasiment office de console portable
- Afficher des informations utiles d'un jeu comme un inventaire ou une carte
- Interagir avec un jeu au travers des mouvements du contrôleur, à l'instar de la wiimote
- Zoomer sur une partie de l'écran pour afficher une partie de l'écran de jeu en gros plan

Bref, on peut un peu mieux cerner les intentions de Nintendo avec ces cas d'utilisation, même si l'on se dirige plus vers quelque chose de multi-média plus que ludique.
Notamment par le fait que l'on ne peut connecter qu'un seul contrôleur de ce type à une console.

Et les jeux justement?

Sur cet aspect, et bien on n'en sait pas trop.
Les éditeurs se sont affichés avec un line-up intéressant, en proposant leurs derniers jeux disponibles sur la Wii U, commme BF3, Darksiders 2 ou Dirt par exemple.
Mais ces jeux étaient montrés dans leurs versions PS3 ou X360, ce qui laisse énormément de flou sur ce qui nous attend vraiment.

Même Nintendo n'a pas annoncé une liste concrète de jeux disponibles au lancement de la console.

Pendant le salon, les journalistes ont juste eu droit à une démo de Zelda, non interactive, permettant juste de jouer avec les réglages de luminosité et d'autres paramètres.
Le but était surtout de montrer les capacités de la machine et de ce point de vue-là, tout le monde semble d'accord: On est bien un cran au-dessus.

Bien, bien, bien...

Au final, on ne sait pas grand chose.
Nintendo nous laisse dans l'espectative et il faudra être patient puisque seul 2012 est annoncée comme disponibilité pour cette console.
De même, aucune infos concernant le prix de vente.

On peut faire confiance à Nintendo pour nous sortir ses licences fétiches à la sauce HD, qui exploiteront au mieux ce nouveau contrôleur.
Et les éditeurs tiers seront ravis d'avoir une machine d'un niveau de puissance équivalente au reste du marché, pour vendre encore plus de leurs titres phares.

Il ne reste plus qu'à attendre.

Le site officiel de Nintendo de la console pour l'E3 : http://e3.nintendo.c.../#/introduction
Le trailer de présentation de la console :